Leyendo cuadros. Mirando historias


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Entrega número 48
Postludio. José Mª Yturralde
José Mª Yturralde
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Ars Citerior

Carmen Figaredo. What are you looking at?

 

Carmen Figaredo

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Hugo Fontela. Save the date

 

Hugo Fontela

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MONIKA BUCH. LÍNEA I MÒDUL


Sala Sempere. Museo de la Universidad de Alicante (MUA)

Inauguración: viernes 26 de enero de 2018 a las 18h.


monika buch.liena i modul. coleccion ars citerior comunidad valenciana

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GEOMÉTRICO TRIP SOUTH

 

geometrico trip south. josé Maria Baez. Pereñiguez

 

La geometría, surgida de la observación de la naturaleza y localizable en tantos registros a lo largo de los tiempos, se hizo aún más presente en la vida cotidiana de la sociedad a partir del siglo XX. La ordenación del territorio y el diseño de nuestras viviendas y ciudades, el mobiliario urbano y los enseres domésticos y de uso que nos rodean se nutren de principios y combinaciones geométricas. El arte no tardó en ser receptivo a esta situación. En el periodo de entreguerras de esa centuria la geometría (para Piet Mondrian, para Josef Albers, para Moholy-Nagy, para Pevsner, para Taeuber-Arp...), era un referente ideológico vital, un método para encauzar nuestra psique hacia un nuevo escenario emocional. La pintura y escultura de estos artistas, argumentada sobre manifiestos y programas metodológicos, pretendía incrementar nuestra percepción hacia un universo racional. Tras la Segunda guerra mundial pareció que esos anhelos eran abordables. La ciencia y la tecnología facilitaron el encuentro entre historia y evolución e hicieron asequible la convicción del progreso, como proclamaban las propuestas visuales de Max Bill, de Ellsworth Kelly o de tantos artistas latinoamericanos (y, entre ellos, el primer Hélio Oiticica aún aceptando su posterior deriva hacia lo precario y lo inestable). Después, en la década de los sesenta, el minimalismo fue el concepto artístico sobre el que se sustentó la teoría del despojamiento. En esta tendencia el arte geométrico, tecnológicamente objetivizado, se ofrecía como modelo nutriente. Su extremado ascetismo rechazaba todo atisbo retórico.

Hoy las cosas han cambiado y los parámetros vigentes hasta ahora parecen obsoletos. La realidad es impostada y se nos dice que formamos parte de una ficción. La forma de construir nuestro presente es parte de una representación; el futuro aparece desdibujado, al igual que las certezas. Todo queda tamizado por la idea de confusión y provisionalidad y cualquier arbitrariedad encuentra su argumentario. ¿Puede entonces la geometría seguir siendo una opción útil en el arte? ¿Puede explicar nuestro mundo, su incertidumbre? ¿Puede reflejar la corrupción del lenguaje y las mixtificaciones políticas de la realidad? ¿Cómo podemos, sin renunciar a la condición heroica, diáfana y ejemplar de la geometría, documentar y narrar nuestro presente?

 

Geometry, born from observing nature and found in so many registers throughout the ages, gained more presence in society from the XXth century on. Land-use and urban planning, the design of our housing and cities, street furniture and household items that surround us are nurtured by geometrical principles and combinations. Art was quickly receptive to this situation. In the period between the wars in the last century, geometry (for Piet Mondrian, Josep Albers, Moholy-Nagy, Pevsner, Taeuber-Arp.....) was a vital ideological reference, a method to guide our psyche towards a new emotional  scene. The painting and sculpture of these artists, argued in manifests and methodological programmes, were intended to expand our perception towards a rational universe. After the Second World War it seemed that these aspirations could be fulfilled. Science and technology eased the meeting of history and evolution and the conviction of progress was within reach, as demonstrated by the visual proposals of Max Bill, Ellsworth Kelly or so many Latin American artists (among them the early Hélio Oiticica, even accepting his subsequent  drift to the precarious and the unstable). Later, in the sixties, minimalism was the artistic concept which sustained the theory of stripping away. Geometrical art, technologically objectified, provided the nutrient model for this trend. Its extreme asceticism rejected any inkling of rhetoric.

Today things have changed and the parameters valid till now seem obsolete. Reality is disguised and we are told that we are part of a fiction. The way of constructing our present is part of a representation; our future is blurred, together with certainties. Confusion and provisionality filter everything and any arbitrariness can find a set of arguments. Can geometry continue to be a useful option in art? Can it explain our world, our uncertainty? Can it reflect the corruption of language and the political adulteration of reality? How can we document and narrate our present without renouncing the heroic, transparent and exemplary spirit of geometry?

Texto cortesía José María Baez

 

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Hans Hinterreiter (1902-1989)

Del 21 de febrero al 26 de mayo en el Museu Fundación Juan March, Palma.

En esta muestra presenta alrededor de  75 obras de Hans Hinterreiter (Winterthur, 1902 - Ibiza, 1989), artista suizo vinculado al arte concreto del círculo de Max Bill, junto a una selección de documentos que permiten reconstruir la investigación sobre el color y la forma a partir de la lógica constructiva que llevó a cabo durante toda su vida.

Una parte importante de su producción fue la obra gráfica, estampadas algunas de ellas por el serígrafo Abel Martín.


Hans Hinterreiter. Abel martin serigrafo

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El principio Asia. China, Japón e India y el arte contemporáneo en España (1957-2017)

Del 8 de marzo al 24 de junio en la Fundación Juan March, Madrid.

Según nota de prensa de la Fundación Juan March la "exposición rastrea de un modo completo y sistemático el influjo de las culturas de China, Japón e India en el arte de la segunda mitad del siglo XX en España".  Esta exposición ha sido el resultado de un proyecto de investigación curatorial de la Fundación Juan March.

Se creará un portal digital para ver y consultar las entrevistas realizadas a una docena de artistas representados en la muestra, como Alfonso Albacete, Federic Amat, Enrique Brinkmann, Francisco Farreras, Luis Feito, Mitsuo Miura o José María Yturralde, entre otros.

 

Enrique Brinkmann. Estampa Japonesa, 2002.

(Imagen cortesía del artista)

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Eusebio Sempere en la colección de la Fundación Juan March

Museo de Arte Abstracto Español. Cuenca

Del 2 de febrero al 27 de mayo de 2018.
 
 
Eusebio Sempere. Museo de arte abstracto español. cuenca. abel martin
 
 
Nota de prensa Fundación  Juan March

Eusebio Sempere (Alicante, 1923-1985) es uno de los máximos representantes de la abstracción geométrica y del arte óptico y cinético en España. Sempere formó parte del grupo de artistas reunidos en torno al Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, junto con Fernando Zóbel, Gustavo Torner y Gerardo Rueda, entre otros.

Iniciándose con una pequeña selección de retratos figurativos realizados hacia el final de su etapa de estudios en Valencia, justo antes de su marcha a París en 1948, la exposición recorre prácticamente la totalidad de las obras de Sempere en la colección de la Fundación Juan March.

La mayoría de las obras pertenecen a la época de los años setenta y, en menor medida, a la de su regreso de París en 1960, marcada por dos estancias en Nueva York

Además, la exposición permitirá apreciar su evolución en el ámbito de la serigrafía, técnica que había aprendido en el taller del cubano Wilfredo Arcay en París, quien realizaba serigrafías para muchos de los artistas de la abstracción geométrica en torno a la galería de Denise René.

A partir de su regreso a Madrid, Sempere fue uno de los pioneros en la introducción de esta técnica, que en España era prácticamente desconocida. La mayoría de las obras pertenecen a la época de los años setenta y, en menor medida, a la de su regreso de París en 1960, marcada por dos estancias en Nueva York.

 
 
museo arte abstracto español
 

 

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COLOR, COLOR, COLOR.

Del Manierismo al Arte Concreto

Pinturas de WALDO BALART


Museo del Greco. Toledo. Del 27 de enero al 1 de abril de 2018

 

 

Waldo Balart. color, color, color

 

La muestra estará formada por veintiuna obras del pintor Waldo Balart, y en ella podremos disfrutar de varios cuadros fundamentales dentro de la trayectoria del pintor de origen cubano instalado en Madrid desde los años sesenta.

Será una ocasión única para ver obras que hace muchos años que no han sido expuestas al público, entre ellas una serie de seis lienzos para la que el autor ha encontrado en el Museo del Greco el espacio adecuado.

Waldo Balart apunta un aliciente añadido para acudir a esta exposición: “Mi confrontación con los Grecos que estarán en el Museo en relación a cómo los artistas hemos utilizado la luz en nuestro trabajo, y la diferencia en el planteamiento de cómo la utilizamos como herramienta y como inspiración.”

 

 

Del Manierismo al arte concreto. Waldo Balart

Proposición: del azul al violeta: cuadrados naranja y marillo

Serie Estructura de luz. 1985

Acrílico sobre tabla.  79 x 123 cm.

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Feliz 2018

Desde la revista digital Conservar el arte contemporáneo español te deseamos felices fiestas y un venturoso 2018, en el que  seguiremos informándote de lo acontecido en el panorama de las artes plásticas.


Abel Martín. Familia de curvas Empolares. 1969

Abel Martín. Familia de curvas Empolares. 1969

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Eusebio Sempere  en el MNCARS

Del 9 de mayo al 27 de septiembre de 2018

Comisarios: Belén Díaz de Rábago, Carmen Fernández Aparicio, Manuel Borja-Villel

Nota del MNCARS

El Museo Reina Sofía presenta una retrospectiva de Eusebio Sempere (Onil, Alicante, 1923-1985), una de las figuras más significativas del arte español del siglo XX, que comparte escenarios e ideas del arte cinético y se caracteriza por una poética basada en la luz y el color; como escribió el crítico de arte y ensayista Vicente Aguilera Cerni, el suyo: “es un arte a la vez concreto, poético, lógico e incluso, urbanístico”. La muestra reúne alrededor de 170 obras: acuarelas, gouaches, relieves luminosos, collages, pinturas, móviles, esculturas y proyectos interdisciplinares, además de un apartado documental que abarca desde 1949 a principios de la década de 1980. En la trayectoria artística de Sempere su larga estancia en París durante la década de los cincuenta marca un punto de inflexión. Allí participa en varias ediciones del Salon des réalités nouvelles, donde en el verano de 1955 expone sus relieves luminosos móviles y un manifiesto en el que se refiere a la luz como el elemento con el que construir un diálogo poético a través del tiempo. El mismo año de la presentación de estas obras claramente cinéticas, había tenido lugar la exposición Le mouvement en la galería Denise René, considerada el origen del arte óptico y cinético. Su progresivo interés por el arte de vanguardia en España y las dificultades de la vida en París, llevan a Sempere a instalarse en Madrid en enero de 1960, en pleno auge del informalismo. Como integrante del Grupo Parpalló expone ese año en la Primera exposición conjunta de arte normativo español y tiene en el mencionado Aguilera Cerni uno de sus primeros apoyos; participa también en la XXX Bienal de Venecia (1960) y en la VI Bienal de São Paulo (1961); en 1963, con una beca de la Fundación Ford, viaja por Estados Unidos, exponiendo en 1964 y 1966 en la galería Bertha Schaefer de Nueva York. Durante esos años, la Galería Juana Mordó le representa y le dedica una muestra retrospectiva en 1965; Fernando Zóbel le incluye en la inauguración del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, en 1966. Esta exposición comienza con un conjunto de acuarelas abstractas relacionadas con la obra de Vassili Kandinsky y Paul Klee, que dan paso a una amplia representación de los gouaches realizados en París, obras geométricas de expresividad contenida en el trazo y una especial sensibilidad por la luz y el espacio; junto con una selección de los relieves luminosos en los que empezó a trabajar en 1955. Más adelante, se atiende a los diferentes intereses que centran el trabajo de Sempere desde su regreso a España a través de una selección de pinturas al gouache sobre tabla y papel, collages realizados con cartulinas y escultura en metal, desarrollada desde mediados de los años sesenta. Asimismo, se muestran sus trabajos interdisciplinares, como Proyecto de música electrónica (1967), que realiza con el grupo ALEA de Luis de Pablo; los seminarios de Análisis y Generación Automática de Formas Plásticas del Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid, entre 1969 y 1972; las exposiciones Antes del Arte. Experiencias ópticas perceptivas estructurales, que organiza Aguilera Cerni en Valencia y Madrid en 1968, y Proyecto IBM, planteado como una escultura de arte total, en colaboración con Cristóbal Halffter y Julio Campal.


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Cuando un hombre entra en una habitación lleva toda su vida con él.

Rafa Macarrón

Galería Marta Cervera, Madrid

Hasta el 30 de diciembre de 2017

 

Rafa Macarrón

343 almas. Técnica mixta sobre aluminio. 183 x 289 cm. 2017


La obra de Rafa Macarrón trasciende convenciones artísticas para alcanzar un contacto íntimo con el espectador y la sociedad. Inundada de actividad, de colores vivos, materiales pegados y apilados, figuras que se encaraman las unas sobre las otras, la energía que destilan sus cuadros se puede equiparar a la del artista en sí, trabajando de forma incesante para captar su entorno. Rafa Macarrón vive en movimiento (ya sea pedaleando o pintando) y de ese movimiento interno nace el deseo no sólo de crear, sino también de captar el movimiento y la creación diaria de los demás. Como para el artista, tampoco hay respiro para la sociedad, conformada, en esta nueva obra, por un ritmo incesante de figuras moviéndose, divirtiéndose, duchándose, fumando e incluso bostezando. Títulos como “Cosmos,” “Génesis,” “343 almas” o “Al Alba” indican que, aquí, la producción individual constituye y conduce a la creación colectiva y popular tanto en su dimensión social, artística, espiritual como biológica.

Rafa Macarrón (Madrid, 1981) vive y trabaja en Madrid. Macarrón crea personajes únicos que reclaman todo el protagonismo de cada obra y que encarnan a un tiempo lo universal y lo irrepetible. En sus cuadros, Macarrón crea escenas oníricas y un mundo de personajes insólitos que a pesar de su dramatismo y deformidad desprenden ternura y amabilidad. Con un estilo y lenguaje definido, su pintura es fluida, fresca y armoniosa en su conjunto. Influido por el cómic, la pintura española de los 50 y los 60, la obra de Fraile, Matta o Quirós, Macarrón se convierte en un referente de la pintura de nuestro tiempo. Ganador del primer premio de pintura BMW en 2011, ha estado presente en diversos países y ha participado en numerosas ferias como Context Art Miami, ARCOmadrid, Zona Maco, ArtBo, Art Miami o Art Moscow.

(Extracto nota de prensa de la Galería Marta Cervera)


Rafa Macarrón

The boss. Técnica mixta sobre aluminio. 183 x 140 cm. 2017


Imagen cortesía de la Galería Marta Cervera


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Antoni Miró. La mirada rebel

Antoni miro

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