Leyendo cuadros. Mirando historias


>> Listado de todos los relatos publicados 

Entrega número 48
Postludio. José Mª Yturralde
José Mª Yturralde
Postludio
VER

Documentos de introducción
 Introducción de Javier Martín 
 Introducción de Ana Álvarez 
 Listado de autores 

Login

Ars Citerior

Abstracción versus figuración “Retazos de una colección”

Obras pertenecientes a los fondos de la colección de la Fundación Chirivella Soriano

Sala San Miguel de la Fundación Caja Castellón. Del 18 de octubre al al 22 de diciembre

Abierto de lunes a sábado, de 17:30 a 20:30 horas. Cerrado domingos y festivos

 

La Sala San Miguel de la Fundación Caja Castellón presenta una selección de las más importantes obras de la colección Chirivella Soriano, una de las más destacables colecciones españolas de arte de carácter privado.

Add a comment (0)

Adjuntos:
Descargar este adjunto (Serie Malevich.pdf)Serie Malevich.pdf[ ]373 Kb

La "Serie Malevich" de Julián Casado regresa a Cuenca

 

La obra “Serie Malevich. Variaciones de una misma estructura”, de Julián Casado, será expuesta con carácter permanente a partir del mes de noviembre en el claustro del Parador de Cuenca. La pieza, donada por su viuda, Elia Fernández, a Paradores de Turismo, está Julián Casado regresa a Cuenca considerada como su obra maestra y uno de los trabajos más complejos y profundos del artista. Con esta iniciativa, Paradores se suma al programa de actividades culturales de Cuenca. Precisamente, la creación de Casado retorna a uno de los lugares que más influyeron en la vida del artista. En 1969 trabó amistad con Fernando Zobel y el grupo de pintores abstractos de Cuenca, comenzando así su etapa profesional dentro de la pintura en clave abstracta. La ciudad es sede de uno de los más destacados museos de arte contemporáneo del país.

 

julian casado, serie malevich. coleccion ars citerior

Agradecemos a Javier Plaza Márquez la autorización para reproducir el texto.

Add a comment (0)

Lo que permanece oculto

OTR Espacio de Arte

Calle San Eugenio, 10. Madrid

Comisario: Marlon de Azambuja

Nota Prensa

OTR espacio de arte tiene el placer de invitar a todos para la inauguración de la muestra Lo que Permanece Oculto, que se inaugura este martes 16 de octubre a partir de las 20 horas. La exposición se articula en torno a obras que plantean la idea de doble sentido, de juego y de ocultamiento, como herramientas para invitar el espectador a acercarse y descubrir otras posibilidades de lectura que van mas allá de la primera impresión. 

Artistas participantes

Alejando Almaza Pereda (Mexico), Dandara Catete (Brasil), Cristina Garrido (España), Luigi Ghirri (Italia), Ángela Jiménez (España), Jimena Kato (Peru), Fernando Martín Godoy (España), Andrés Montes (México), Javier Rodríguez Lozano (España), Florencia Rojas (Argentina), Pedro Torres (Brasil), Alain Urrutia (España), Mauro Vallejo (España), Raúl Valverde (España) y Rémy Zaugg (Suiza.)



OTR Espacio de arte. lo que permanece oculto

Add a comment (0)

Catálogo digital. Julián Casado en el Museo Francisco Sobrino

 

Descargar catálogo


Espacio Gongorino. 1987

Add a comment (0)

Conferencia. Tres galerías paradigmáticas: Biosca, Edurne y Mordó

 

Tres Galerías paradigmáticas: Biosca, Edurne y Mordó

Add a comment (1)

Adjuntos:
Descargar este adjunto (Manolo Millares.pdf)Manolo Millares.pdf[ ]277 Kb

Descubrimientos Milllares, 1959-1972.

La obra gráfica completa de Manolo Millares

 

manoloo millares. calcografia. alfonso de la torre, serigrafia-abel martin

 

Coproducida por la Fundación Juan March, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, la Fundación Museo del Grabado Español Contemporáneo y la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, se presenta en la Calcografía Nacional la exposición “Descubrimientos Millares, 1959-1972. Obra gráfica completa de Manolo Millares”.

-Agradecemos a Alfonso de la Torre la autorización para reproducir el presente texto-

No parece extraño el interés que Manolo Millares Sall (Las Palmas de Gran Canaria, 1926-Madrid, 1972) mantuvo a lo largo de su trayectoria por el grabado y las técnicas gráficas en general, -los sistemas de multiplicación de imágenes, refiriendo una terminología contemporánea-, si recordamos que fascinación de infancia fueron los grabados de Francisco de Goya, los “Caprichos” (1797-1799) y “Desastres de la guerra” (1810-1815) que, contemplados mediante reproducciones halladas en 1933 en libros de la casa familiar en Las Palmas, ejercerían un poderoso atractivo en el niño y futuro breve artista. 

Unos años después, este “hijo entrañable de Goya” realiza sus primeros monotipos, práctica frecuente la estampación única mediante la aplicación de pigmento en un plano, luego grabado en un papel ejerciendo presión.  El monotipo invadirá, además, algunas zonas de sus dibujos sobre papel como un recurso técnico que, inevitablemente, obliga a mencionar las pintaderas de los aborígenes canarios.

Acto previo a su interés por la estampación calcográfica, su vinculación a la publicación “Planas de Poesía” (1949-1951) realizando portadas e ilustraciones, así como colaboraciones en diversas publicaciones antes de su viaje a la Península (1955).   Artista de avanzada, como era voz de su tiempo, fue mucha su vinculación al libro y a la revista, a las ediciones en general, embargado por una cierta tipofilia, si pensamos en carteles y portadas, varios, ilustraciones para revistas u otras ediciones (aquí mención a su frecuente presencia en las Ediciones de Ruedo Ibérico) a lo largo de su trayectoria, partiendo de su encuentro con Lourdes Castro y René Bertholò e inmersión en el proyecto artístico de la revista KWY, durante los años 1959 y 1961.

Esta revista, prácticamente artesanal, era realizada en serigrafía bajo diferentes formatos gráficos y distintas periodicidades. Los Millares encontraron al matrimonio Castro-Bèrtholo en Paris a finales de mayo de 1959, con ocasión de la exposición La jeune peinture espagnole-13 Peintres espagnols actuels, celebrada en el Museo de Artes Decorativas, y en esa fecha KWY se preparaba en la Rue des Saints-Pères, en Saint Germain, siendo Bèrtholo buen conocedor de la técnica serigráfica y, por tanto, estampador de los trabajos.  Manolo Millares colaboró en dos ejemplares de esta revista, efímera y de breve edición, realizando una portada serigráfica y la reproducción de un dibujo para los números cinco (diciembre de 1959) y ocho (otoño de 1961). Se constituían en tempranos trabajos serigráficos del artista, otorgándonos la fecha inicial de la exposición.  

El corpus de la obra gráfica de Manolo Millares, unas cincuenta obras, quedaría en buena parte reunido en cinco carpetas, en su mayoría realizadas mediante técnicas tanto calcográficas como serigráficas: “Mutilados de paz” (1965); “Auto de fe” (1967); “Antropofauna” (1970); “Torquemada” (1970) y “Descubrimientos-Millares, 1671” (o) “Descubrimiento en Millares 1671-Diario de una excavación arqueológica imaginaria y barroca” (1971).

“Mutilados de paz” (1965), fue la primera carpeta serigráfica, estampada por Abel Martín. Contenía cuatro ejemplares, presididos por un poema escrito por Rafael Alberti en Roma y cuidada por Gerardo Rueda. A ella seguirá “Auto de fe” (1967), otros cuatro grabados a punta seca, concebida con Elvireta Escobio. Una edición casi artesanal (veinte ejemplares numerados) estampadaen el taller de Dimitri Papagueorguiu reproduciendo fragmentos del libro “Causas del Tribunal del Santo Oficio de la Inquisición en Canarias”, desde los legajos recuperados por su bisabuelo, Agustín Millares Torres, de la torva destrucción por un carretero en la rada atlántica.

LEER MÁS


 

Add a comment (0)

Julián Casado. Humanismo y Abstracción Geométrica


Museo Francisco Sobrino. c/ Cuesta del Matadero, 5. Guadalajara

Inauguración viernes 5 de octubre a las 19h. Hasta el 25 de noviembre.


Julián-casado-abstraccion geometrica-humanismo

Espacio para Lady Macbteh, 1994. Acrílico sobre lienzo, 135 x 135  cm.


La presente exposición nos muestra una serie de trabajos en acrílico sobre lienzo, realizados desde 1972 hasta 1994, y que abarcan buena parte de la evolución pictórica de Julián Casado.

La técnica, aprendida de niño con el gouache en la Real Fábrica de Tapices, sería más tarde trasladada por Casado a la pintura acrílica. Delgadas líneas rectas de color, casi milimétricas, a las que añadía sucesivamente una gota más para conseguir la transición cromática y lumínica buscada

La elaboración de los cuadros comenzaba con una concienzuda planificación. Dotaba así de sentido a las distintas evoluciones cromáticas, inscribiendo figuras geométricas en el espacio plástico acotado, y que en función de la incidencia de la luz, conformarían espacios visivos distintos. Todo ello inferido a través de un discurso espiritual y filosófico complejo, con sentido pleno, y que convertiría toda su obra en una continua investigación sobre la luz.

Nos hayamos pues, ante un artista exquisito, con una elaboración extremadamente refinada y perfeccionista, capaz de mostrarnos con sus obras un inmenso espacio espiritual abstracto, de lógica filosófica bien fundamentada, de enorme conocimiento, y en definitiva, de excepcional e indiscutible belleza. 

  Javier Plaza Márquez

Julián-casado-abstraccion geometrica-humanismo


Add a comment (0)

Adjuntos:
Descargar este adjunto (catálogo.pdf)catálogo.pdf[ ]349 Kb

Robert Ferrer i Martorell. El proceso de la forma


Robert Ferrer i Martell. el proceso de la forma



Robert Ferrer i Martell. el proceso de la forma

VISLUMBRAR UN PROCESO

Jacobo Fitz James Stuart


Laberinto

Como galerista soy testigo de la enorme distancia que hay entre un artista y su público, entre el que fabrica y el que contempla o adquiere.

El artista vive en un perpetuo proceso, una vez la obra está acabada, la incubación concluye momentáneamente y la obra cobra una vida propia, contingente, ajena a las intenciones de su creador. La obra puede ser enaltecida, banalizada, maltratada, compartida, puede ser fuente de pensamiento, disfrute, vanidad o especulación financiera. Para mantener la cordura un artista debe soltar a sus hijos y aceptar que una vez han alcanzado la madurez comienzan una nueva vida, un nuevo laberinto.

Cuando una obra se termina lo importante es la semilla de la siguiente y es ese camino de pensar, hacer y crear donde palpita la medula de aquello que, a falta de un término mejor, llamamos arte.

 

El Silencio

Hace ya seis años del Silencio de la luz, la primera exposición de Robert Ferrer en Espacio Valverde. Conocer a Robert en profundidad me llenó de asombro y un leve asomo de terror; todo lo tenía medido, pensado, previsto, desde la ubicación de las obras en el espacio, las herramientas necesarias, las cartelas cortadas a láser… Todo estaba hecho a mano por Robert pero el acabado era tan pavorosamente impecable que uno era incapaz de encontrar un defecto, una bolita de pegamento, un nudo mal atado, el resultado era sencillamente perfecto. (Más tarde Robert me contó que pertenecía a una estirpe de gente ultra-meticulosa, una familia de ópticos, orfebres y cirujanos de la materia que durante mucho tiempo le consideraron el chapuzas de la familia, el desviado, el artista.)

En cierto sentido Robert Ferrer estuvo tan pendiente de todo durante el montaje de El Silencio de la luz que me hizo sentir superfluo. Y, sin embargo, una vez colgada la exposición dentro de la galería comenzamos a armar una instalación que recorría todo el edificio y que requería de grandes artilugios suspendidos del balcón del vecino junto con millones de pequeñas partículas, del tamaño de un posavasos, que flotaban con miles de hilos invisibles a lo largo del paso de carruajes y el patio de Valverde.

Fueron tres días de escaleras, resolución de problemas y muchos, muchos nudos y yo pensé que en aquel momento estaba viviendo algo especial, algo que solamente yo tenía el privilegio de recibir; estaba participando del proceso de materialización de una gran obra.

Soy consciente de que lo que vivía era el último paso de una larga secuencia, (ideación, maquetas, preparación de materiales, etc., etc.) pero esos tres días, codo con codo con Robert, atando y desatando nudos, me ayudaron a vivir la exposición de otra manera, me hicieron vislumbrar el proceso.

 

El Proceso

Vislumbrar el proceso de una gran obra es lo que Robert Ferrer tan generosamente nos brinda en esta exposición: mostrando los planos, las maquetas e instantáneas de distintos momentos en los que se puede apreciar como los aluminios se van desplegando hasta alcanzar su equilibrio y potencia poética.

Una de las particularidades de Robert Ferrer es la importancia que le da al trabajo manual. Esa frescura tan singular que tiene su obra dentro de una tradición tan analítica como la geometría está directamente relacionada con el pensamiento de la mano, con esa férrea voluntad de manufacturar él mismo todas y cada una de sus obras.

Por eso invito a todo aquel que tenga la fortuna de estar disfrutando de esta exposición a contemplar todas y cada una de sus partes no solamente como las fases abstractas de un proyecto sino como el desenvolvimiento manual de alguien que dobla, apunta, corrige, compara, sujeta, pega y manipula el espacio.

Nuestra mente cada vez más informatizada olvida aquellos ámbitos en los que el resultado no es la mera ejecución de un plan. Al igual que un ser vivo es algo más que el desarrollo matemático de sus genes, en el arte es muy importante todo lo que ocurre en medio.

Es ese lugar misterioso que hay entre la intuición y la manipulación, entre el plan y el resultado donde nacen y se despliegan nuevos mundos, es ahí donde radica la diferencia entre técnica (τέχνη) y tecnología.

Robert trabaja siempre mediante el desarrollo de familias en las que una nueva idea aparece, permuta, se multiplica, se desarrolla y da lugar al nacimiento de una nueva familia. Todo esto ocurre con un tempo muy particular, con sus variaciones, escalas y leitmotivs.

Tras un recorrido multidimensional sobre las diferentes procesos creativos concluimos el recorrido con la obra, la única obra sobre la que órbita esta exposición en concreto. Contemplándola, uno se imagina que alguien ha abierto un espacio en la pared para mostrar aquello que estaba oculto. Junto a las aberturas espaciales y cromáticas, unas finas líneas de aluminio oscilan en equilibrio inestable con la lentitud e intensidad de una perpetua búsqueda de significado.

La geometría, al igual que la música, cifra a mí entender un gran misterio que pone en juego matemática, percepción, sentimiento e intelecto; quizá por eso Schopenhauer argumenta que si lográramos resolver el enigma de la música, resolveríamos el enigma del universo.

Comprender por qué la ligera inclinación de un cuadrado sobre otro puede hacernos vibrar está más allá de nuestro alcance y quizá es mejor que así sea. Las manos de Robert como las de un pianista, saben, exploran y comparten un universo en el que podemos, temporalmente y en silencio, repensarlo todo de nuevo.

Un cordial saludo desde Madrid.

(Agradecemos a Jacobo Fitz James Stuart la autorización para reproducir el presente texto)


 


Add a comment (1)

Monika Buch en R.O Proyectos

 

Monika Buch. Rafael Ortiz. R.O Projets

S/T. Acrílico / tabla. 1976. 48 x 48 cm.

 

MONIKA BUCH 70´s

 Lugar:  R.O Proyectos. c/ Huertas 61. Madrid

Inauguración: Jueves 13 de septiembre a las 19,30 h.

Hasta el 15 de diciembre de 2018.

 

Para el espacio RO Proyectos, el galerista Rafael Ortiz ha querido centrarse en la producción que Buch realizó en la década de los setenta, época de trabajo intenso, cuando, tras diez años sin pintar, la artista tenía inquietudes investigadoras, siempre dentro de la abstracción geométrica y contando con el poso que dejó su paso por la Escuela de Ulm. La obra más antigua que se presenta en esta muestra data de 1973 y se trata de una tabla donde Buch se centra en el estudio de la interrelación forma-color. La verdadera gran eclosión de su trabajo fue en 1975, con una amplia realización de tablas de 48 x 48 cm., algunas de ellas de carácter óptico-cinético. El papel es el segundo de los soportes sobre el que trabajó durante estos años, principalmente de 1976 a 1979, en composiciones realizadas con acrílico muy diluido donde consigue un trabajo exquisito de formas modulares, algunas de ellas cinéticas y otras dentro de las denominadas figuras imposibles. Monika Buch explica del siguiente modo la producción realizada en esos años: “En el trabajo que hago desde 1972 (desde que terminé mis estudios en la universidad de Utrecht) son sobre todo las gamas de colores las que predominan. Los colores pasan casi siempre de claro a oscuro o viceversa. La diferencia entre un color y el siguiente no se pueden percibir directamente, ya que la diferencia es mínima. Si hay algún salto este se puede ver solamente cuando has hecho los pasos siguientes. Para determinar la diferencia entre un color y el siguiente utilizo un elemento geométrico pequeño con el que construyo una estructura o un diseño geométrico, para esto encuentro inspiración en la geometría dinámica de Hermann von Baravalle”.

 

 

Monika Buch. Rafael Ortiz. R.O Projets

S/T. Acrílico / papel. 1975. 50 x 50 cm.

 

La obra de Monika Buch se fundamenta en lo que aprendió en la HfG. En palabras de la propia artista: “Siempre parto de una idea o una pregunta que quiero resolver. Me interesa la percepción: qué es lo que veo y porqué, por eso me gusta trabajar en un tema con variaciones. La estética es importante pero muchas veces más en un segundo plano. Una obra puede ser bella o agradable de ver, pero para mí tiene que tener algo más, algo interesante que te llama la atención o que atrae tu mirada cada vez y quieres descubrir lo que te inquieta”.

 Javier Martín

 

 

Add a comment (0)

HUELLAS. Homenaje a Albert Agulló

 

Huellas. Homenaje a Albert Agulló

 

Add a comment (0)

Adjuntos:
Descargar este adjunto (Jorge Oteiza-Catalogo.pdf)Jorge Oteiza-Catalogo.pdf[ ]3829 Kb

Jorge OTEIZA. 1908-2003

 

Add a comment (0)

Madrid, Octubre 68.

La escena experimental española

Lugar: Frac Centre-Val de Loire,  88 rue du Colombier, 45000 Orléans (Francia)

Fechas: Inauguración 11 de octubre de 2018. Permanecerá abierta hasta el 24 de   febrero de 2019.

Comisarios: Abdelkader Damani  y Mónica García

Mesa redonda en Blois con la presencia de Florentiono Briones, Javier Seguí y José Luis Alexanco.

 

Breve reseña histórica de las muestras dedicadas en su totalidad o en parte a lo acontecido en el Centro de Cálculo

"Formas computables". Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, Madrid, 1969.

"Generación Automática de Fromas Plásticas". Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, Madrid, 1970.

"The computer assisted art exhibition". Palacio Nacional de Congresos, Madrid, 1971.

"El número y la mirada. Barbadillo y el Centro de Cálculo de la Univerisdad de Madrid". Salas Vimcorsa, Córdoba. 2002. Comisarios: José Soto Reyes y Juan Bosco Díaz-Urmenta.

"El Centro de Cálculo 30 años despues", Museo de Arte Contemporáneo de Elche, Museo de la Universidad de Alicante y Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza, 2003. Comisarios: Javier Badenes, José Luis Martínez Meseguer y Elena Ruíz Sastre.

"Del Cálculo numérico a la creatividad abierta". Centro de Arte Complutense, Madrid y Universidad Politécnica de Valencia,  2012. Comisario: Aramis López.

"Pseudodimensión y misterio: Enrique Salamanca, en el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid". Galería José de la Mano, Madrid, 2014. Comisario: Alfonso de la Torre.

"Formas computables. García Asensio en el Centro de Cálculo (1969-1970)". Galería José de la Mano, 2016.

"Pintura y Perceptrónica". Galería José de la Mano, Madrid, 2016-2017.

"Momentos 1969"..."2017". Galería Masterravalbuena, Madrid, 2017.

 

   

Add a comment (1)

Subcategorías