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Entrega número 48
Postludio. José Mª Yturralde
José Mª Yturralde
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Ars Citerior

José María Iglesias: constelaciones modulares

Texto para el catalogo de la exposición de José María Iglesias , galería     Fauna´s, Madrid, 1994.

 

 

 

 

 

 

 

 

  

 

 

En las constelaciones modulares ha establecido un módulo, producto de macizar la etérea curva de Hilbert, que inscrito en un cuadrado permite cuatro posiciones ortogonales distintas. Dos de éstos, o un número múltiplo de dos, me brindan el poder repartir la superficie de cada obra en superficies que, enteras o fraccionadas, suman igual área para cada color, permaneciendo inalterado el módulo rector. “Las reglas más rigurosas, que parecen hechas para disecar la materia y reducirla a una monotonía extrema, son precisamente las que muestran mejor su inagotable vitalidad a causa de la riqueza de las variaciones y de la asombrosa fantasía de las metamorfosis”, ha hecho notar Focillon. Constelación es aquí una palabra metafórica, que tiene cierta raigambre en el arte moderno. Miró y Albers, entre otros, la han utilizado para designar algunas de sus obras y así denominó también Eugen Gomringer a sus “poemas” espaciales. Yo lo uso referida a las agrupaciones y disgregaciones de cuadrados que se producen con el juego de los módulos. Estas agrupaciones permiten realzar y equilibrar valores, vectores y fuerzas, permitiendo gran cantidad de anclajes en la dinámica que rige cada obra, donde simetría y asimetría, superficies que se tornan espacios, jerarquización mediante líneas implícitas y virtuales o planos y valores centrífugos y centrípetos son los verdaderos nódulos argumentales de cada obra.

En estas constelaciones modulares trato de lograr una especie de transcoloración de todos los colores, una adecuación mediante vecindades y contrastes más o menos lejanos, poniendo en relación y/o conflicto valores cromáticos. La ocasión de verlos actuar es la verdadera finalidad de estas obras. Creo que los pintores pintamos, precisamente, porque queremos ver pintado loo que pintamos o porque no podemos dejar de hacerlo o –como en mi caso- porque es lo que más me entretiene mientras espero la muerte.

Muchos años de adicción a la pintura me han llevado a un atisbo de convicción: pintar es distribuir un plano y asignar un color a cada celdilla resultante para que se distingan, aunque sea poco. Me gusta hacerlo de un modo equitativo y armónico. Todo lo demás me parece ilusión vana y sofisma. Quisiera que los  ejercicios metaconstructivos que componen esta muestra fueran contemplados desde este “marco de referencia”, en palabras de Nelson Goodman.

 

 

Tercera ELFAG del 2000

2000, Acrílico sobre lienzo, 65 x 81 cm.

Colección Ars Citerior

 

José María Iglesias

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José María Iglesias: Sobre esta exposición

Texto para el catalogo de la exposición de José María Iglesias en la galería Altex, Madrid, 1981

 

Si volviese a nacer y fuese pintor de nuevo-¿dos desgracias?-me aplicaría en la labor de pintar solo un cuadro. No para tratar de llegar a la perfección, ese imposible, sino por poder constatar las diferentas de lo pretendidamente idéntico; las emociones, siempre cambiantes, de lo consabido. Me refiero cuando hablo de un solo cuadro a un cuadro repetido muchas veces, no  a un único cuadro como toda obra. Es fácil que pese a las diferentes épocas, períodos y etapas que se distinguen en la obra de los pintores no pintemos en realidad más que un solo cuadro, una única obsesión camaleónica que nos hace pensar a nosotros y creer a los demás, o viceversa, que cambiamos de estilo o más modestamente de manera. Es más, tampoco me extrañaría que no solo cada pintor pintásemos un solo cuadro, sino que todos los pintores pintemos partes diversas de un solo cuadro que a lo mejor un día, pongamos como ocasión solemne el Día del Juicio, ya por la tarde y como fin de fiesta; se unen, se ensamblan y componen el Todo Total, por ejemplo.

Bromas aparte esta exposición está compuesta por un solo cuadro del que se presentan diversas fases  y faces; pasos que sirvieron para llegar a él y otros que de él parten. Cuidadosos proyectos y no menos cuidadas variaciones, versiones, proyecciones, diversiones, degradaciones y hasta, seguramente, perversiones, conviven y se complementan.

Hay veces en que se ha dejado al color y su tegumento la misión de engranar sin fricciones, otras una línea se ha aventurado por diversos planos modificado o modificándose en espacios y tonos. A veces leves causas apuntan a grandes efectos. Un supuesto espectador atento se dará cuenta de que la estructura matriz ha sido utilizada de diversas maneras: elementos de la derecha pasan a la izquierda, indicación de planos que constelan ala superficie, etc. Naturalmente en este todos los cuadros el cuadro hay mucho de variedad. Si en las exposiciones , compuestas por varios cuadros, me ha preocupado la probable monotonía; en ésta, la posible falta de unidad. Espero que al menos estos ejercicios pictóricos resulten mínimamente elegantes.

José María Iglesias

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José María Iglesias: Elucidación vs. aporía

 

He leído y oído frecuentemente hablar acerca del callejón sin salida en que se encontraba o se encuentra el arte. A estas opiniones se siguen las añorante que consideran que es urgente el retorno a las formas eternas,  este es las que otros consideramos periclitadas. En contra de lo que a primera vista pudiera parecer el hecho de que el arte alcance un callejón sin salida-aporía-trae aparejado, por parte del artista, dos consecuencias altamente creativas: la toma  de conciencia, la constatación del hecho y la elucidación del mismo, lo que exige una creación que parte de cero, pero de un cero formado por una gran variedad de estilos-¿hechos históricos?- que si por una parte se complementan los unos a los otros, por otro lado se anulan. No debemos prescindir de cuanto de convencional tiene el arte. Solamente aceptado cuanto hay de convención en las formas artísticas podremos llegar a su aceptación y captación de cualidades latentes, ocultas casi siempre por la inmediatez de su presencia objectual y por nuestra costumbre de referir el arte –la obra de arte- a algún aspecto inmediato. El arte, hoy más que nunca, es una fisura entre la vida y la muerte. Participa de ambas y, en cierto modo, pone vida en la muerte y muerte en la vida. Pensar, pesar, medir, gotear, chorrear, trazar, frotar enlucir y bruñir, cortar y pegar, pegar y despegar, lijar y forrar, dibujar y pintar, colorear y ennegrecer, todo ello y muchas cosas entran en la obra de ate, en el objeto de arte, en la cosa artística; en la egregia y banal, absurda, inoperante, inmanente casi siempre, trascendente casi nunca, en la auténtica realeza que nos traspasa y trasvasa desde la irrealidad, desde lo impreciso y viceversa, a la ambigüedad esclarecedora y nítida.

Hoy el arte tiene más de fluencia y acto que de ser y cosa, se ensimisma, y la información acerca del autor que cada obra es, nos llega a través de un monólogo que es  el espectador quien tiene que convertir en diálogo. Solamente así la obra se complementa.

Mi obra actual responde a ciertas premisas que la acercan a la paradoja. Pese a su sencillez y escasos elementos no renuncio a alusiones espaciotemporales por medio de la duración lineal, al movimiento estático, al equilibrio mediante desigualdad de campos ocupados –desequilibrio-, y su pureza procede más el empleo de medios puros –líneas nítidas, fondos lisos- que de un apriorismo conceptual. Pero ¿de qué manera la obra depende de la elección de medios y técnicas?. Este remitir la obra a su gestación, el fin a sus medios, la dependencia de uno a los otros y de los otros a uno lo inherente a la técnica como trascendencia en el resultado son cuestiones que al ser planteadas –y lo deben de ser siempre- nos abren puertas que poco frecuentemente son tenidas en cuenta al tratar del hecho artístico, del lenguaje con el que el artista trata de comunicar lo que casi siempre es incomunicable.

Elucidar lo obvio. Así he definido mi obra en otra parte. Intento sencillo de elucidar lo obvio. Será, por tanto, cada obra parte de un todo pero, a la vez, un todo también. Fragmento y totalidad. Pero lo obvio que se elucida viene dado por la elucidación, no es preexistente a ella; esto es, la obra no es una ilustración, sino un proceso, un acto no referido a otro.

Es así la elucidación una estructura autonómica que participa de las aspiraciones de buena parte de las tendencias contemporáneas y que sintetiza cualidades rigurosas que se instauran en cada obra sin que necesariamente funcionen del mismo modo en las demás. Se concitan en cada obra elementos que conducen a una cierta imagen, figura destilada del fluir lineal en la que se trata de convertir o de mostrar, de demostrar la manera inequívoca, la ambigua puerilidad, La importante banalidad del arte cuando es sólo pintura, reducida la pintura, tomada en su sentido más peyorativo y último o, si se prefiere, primero. El alambique no conduce necesariamente al néctar, conduce también al residuo. La longitud de una línea no es, necesariamente, imagen de la duración de su recorrido, puede ser el residuo de una figura anterior, etc. Así podríamos seguir hasta el infinito. No siempre las verdades son mentira. En el punto en que todas las verdades se encuentran nos asusta el silencio. Pero nos tranquiliza, absurdamente, el comprobar que no muerde. Sólo así el arte como arte existe liberado de símbolos y alegorías. La convivencia con los mecanismos íntimos del arte conduce inexorablemente al continuo envejecimientote los fundamentos un día vivos y actuantes.

La filtración de elementos procedentes de lo irracional en  obras racionalistas o viceversa, son simplemente el resultado de nuestra condición humana, pero la enfatización de unas características formales, el desgajamiento de la totalidad mediante la realidad asumida hace que cada fragmento, cada obra de arte operante en su tiempo posea unas cualidades inmanentes en el tiempo que son su propia vida. Curiosamente de estas cualidades inmanentes se deriva la trascendencia, histórica en primer ligar, de lo que denominamos obra de arte.

Sólo en arte nuestros límites pueden ser nuestra libertad, elucidar los límites que nos cercan nos puede llevar al infinito. La nada no nos asusta porque en arte la nada es siempre algo, forma parte de la familia, nos evita referir el arte a las cosas, a los objetos. El arte y la vida se encuentran en la aporía. Elucidarlos puede tener la realeza del niño juega a las damas.

 José María Iglesias

Madrid, mayo de 1972

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José María Iglesias: Curriculum

Madrid 1933-Madrid 2005

Exposiciones Individuales

 

1960  Sala Abril, Madrid

1961  Sala Céspedes, Córdoba

1962  Galería Fortuny, Madrid

        Ateneo, Salamanca

        Galería de la Madelaine, Bruselas, Bélgica.

1963  Galería Emmy Widmann, Bremen, Alemania.

         Galerie de la Madelaine, Bruselas, Bélgica.

         Galería J-13, Madrid

1964  Instituto Panameño de Arte, Panamá

1965  Museo de Arte Moderno, Bagdag, Irak.

1966  Galería La pulga gótica, Cali, Colombia.

1967  Sala Neblí, Madrid.

         Casa de Cultura, Cuenca.

         Galería La Mansarda, Bogotá, Colombia.

1968  Galería del “Diario de Noticias”,  Lisboa, Portugal.

         Museo de Bellas Artes C.A.A.M., Mayagüez, Puerto Rico.

         Museo de Bellas Artes, Ponce, Puerto Rico.

1969  Galería Eurocasa, Madrid

1970  Galería Grises, Bilbao

         Piccola Gallería, Rio de Janeiro, Brasil.

         Instituto de Arquitectos de Brasil, Porto Alegre , Brasil.

         Sala de Arte de la Universidad, Mayagüez, Puerto Rico.

1971  Galería Daniel, Madrid

1972  Puente Cultural, Madrid

1973  Galería Atenas, Zaragoza

         Galería d´arte moderna Cá Rezzónico, Venecia, Italia.

         Musée des Beaux Arts. La chaux-de-Fonds, Suiza.

         Galería Zodiaco, Madrid

1974  Museo Nacional de Escultura, Valladolid.

1975  Galería Varrón, Salamanca

1976  Salas de Exposiciones de la Dirección Gral. del Patrimonio Artistico y Cultural , Madrid

         Galería Ederti, Bilbao.

1977  Caja de Ahorros Provincial, Guadalajara

         Galería Arte-Sanos, Asunción ,Paraguay.

1978  Galería Theo, Madrid

1981  Galería Altex, Madrid

         La Casa del siglo XV, Segovia

1982  Sala Luzán, Zaragoza

        C.R.A.C., Aranjuez, Madrid

1985  Centro Cultural de la Villa, Madrid

1986  Pabellón de Mixtos de la Ciudadela, Caja de ahorros Municipal, Pamplona

1988 Sala Villaseñor, Casa  de Cultura, Torrelodones

1989 Centro Cultural Galileo, Madrid

        Galería Mona, Denia

        Galería Término, Madrid

        Caja de Ahorros Provincial de Alicante

Sala de Exposiciones “Claustro Alto”, Centro Cultural San José, Elche

1993  Hotel Muralto, Madrid

         Galería Varrón, Salamanca

1994  Obra de dos. Poemas manuscritos e inéditos de Manuel Lacarta con ilustraciones de José María Iglesias

          Galería Quorum, Madrid

          Galería FAUNA´S, Madrid

1995  Caja de Madrid, Barcelona

1996  Galería DETURSA, Madrid

2000  Centre Cultural d´Alcoi, Alcoy

2003  A ritmo de logaritmo. Galería Tercer Espacio. Madrid

2006  ELDAG, 2003-2004. Museo de Salvador Victoria. Rubielos de Mora. Teruel

2009 Bienal de Venecia. Galería Guillermo de Osma. Madrid

2014 60 anys de geometria, Lonja de Sant Jordi, Alcoi, Alicante

2015 60 anys de geometria, Museo Universidad de Alicante, Alicante

2016 Vanidades - Intelectualidad - Espiritualidad,  Museo del Carmen, Valencia.

 

Obras en Museos , Fundaciones y Colecciones Públicas

Museo Nacional Reina Sofía, Madrid

Museo de Arte Abstracto, Cuenca

Museo de Bellas Artes, Vitoria

Museo de Arte Contemporáneo, Sevilla

Museo de Villafames, Castellón

Museo de Arte Contemporáneo, Lanzarote

Museo del Alto Aragón, Huesca

Museo de Ayllón, Segovia

Museo de Arte Contemporáneo, Ibiza

Museo de Crevillente, Alicante

Museo de Elsedo, Santander

Musée des Beaux Arts, La chaux-de-Fonus

Museo de Arte Contemporáneo, Sao Paulo

Museo de Arte Moderno, Sassoferrato, Italia

Museo de arte Moderno, Bagdag , Irak

Museo Español del Grabado Contemporáneo

Ministerio de Trabajo y Seguridad Social, Madrid

Gallería Comunale de Arte Moderno, Jesi, Italia.

Moderna Galerija, Rijeka, Croacia

Museo de Arte Contemporáneo, Asunción

Instituto Panameño de Arte, Panamá

Universidad de Puero Rico, Mayagüez

Universidad de Watterloo, Canadá

Diario de Noticias, Lisboa

Fundación Juan March

Circulo de Amistad, Córdoba

Universidad Laboral, Zaragoza

Universidad Laboral, Alcalá de Henares

Biblioteca Nacional, Madrid

Club Financiero Génova, Madrid

SKF, Madrid

Caja de Ahorros de la Inmaculada, Zaragoza

Caja Postal de Ahorros, Granada

Caja Municipal de Ahorros, Pamplona

Comunidad de Madrid

Fundesco, Madrid

Parlamento Europeo, Bruselas

Calcografía Nacional, Madrid

IVAM, Valencia

Fundación Camilo José Cela. Padrón. La Coruña

Fundación Gregorio Prieto, Valdepeñas, Ciudad Real

Fundación Cesar Manrique. Lanzarote

Fundación Cristobal Gabarrón, Valladolid

Fundación Luis Gonxalez Robles. Universidad de Alcalá de Henares, Madrid

Museu d ´Art Moderm y Contemporani. Esbaluar. Palma de Mallorca

Museo Salvador Victoria. Rubielos de Mora. Teruel

Museo de Arte Contemporáneo de Madrid

Museo Biboccio. Filottrano. Italia

Museo Internazionale dell ´Etichetta, Cupra Montana, Ancona. Italia.

Stichting Mondrian huis. Amersfoort. Holanda

 

 

 

 

 

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Metaconstructivismo..

Metaconstructivismo.

 

Tengo escrito: <<Muchos años de adicción a la pintura me han llevado a un atisbo de convicción: pintar es distribuir un plano y surtir de color cada celdilla resultante. Me gustaría hacerlo de un modo equitativo y armónico. Todo lo demás me parece ilusión vana y sofisma. Este breve párrafo puede servir para definir lo que denomino <<metaconstructivismo>>.

El <<metaconstructivismo>> es en un sentido el metalenguaje del <<constructivismo>> histórico, entendiendo como tal las tendencias derivadas del cubismo, consecuencia lógica de éste, como el <<constructivismo ruso>>, <<suprematismo>>, <<neoplasticismo De Stijl>>, ecos de la didáctica <<Bauhaus>>, etc.

Como es sabido, el cubismo modifica el aspecto del objeto para construir el cuadro. El objeto, así entendido, desaparece en el constructivismo ruso, en el suprematismo, de Stijl…, pero el mundo circundante sigue presente de alguna manera. Son muchos los constructivistas rusos, productivistas y demás que tratan de ser útiles a la sociedad naciente. El suprematismo posee un alto grado de misticismo al igual que De Stilj. La inefable Madame Blavatsky y P.D. Ouspensky y sus doctrinas científico-teosóficas influyeron en la vanguardia rusa como Schoenmaekers prefigura y surte de argumentos, y elementos, lo que será el <<neoplasticismo>>, especialmente el de Mondrian.

Es precisamente de componentes míticos, místicos, líricos y seudocientíficos de los que se ha ido liberando el constructivismo posterior, lo que prefiero llamar <<metaconstructivismo>>, centrado únicamente en aspectos del lenguaje formal.

Achaco a pereza mental la extendida costumbre, entre quienes por obligación deberían de ser más penetrantes, de dar por constructivismo obsoleto y periclitado –en un sentido meramente cronológico- cualquier obra en la que aparezcan figuras más o menos geométricas; esto es en quedarse en las analogías formales sin siquiera plantearse las posibles diferencias conceptuales.

En el <<metaconstructivismo>> desaparece la ilusión espacial, la alusión a objetos, todo símbolo, metáfora, emblema o alegoría es  aniquilado. Todo elemento plástico es un signo instrumental. Cada obra es un sistema, un modelo, un paradigma; es concebido previamente para su versión mediante planos, colores, líneas…, presentados en su mismidad y relacionados internamente con coherencia y claridad total.

La pintura no está limitada por nada que no sea la plasticidad de su propia naturaleza. Es imanente, en sentido kantiano, e inherente a sus medios y técnicas. Por ello el pintor debe de cuidar los límites que (se) pone. Si no pone ninguno no tendrá conciencia de lo ilimitado.

Se crean leyes, pero no fórmulas; así cada obra irá desgranando las reglas que el artista habría concitado y hecho posibles. Máxima objetividad. Subjetividad, incluso solipsismo, si llegan serán integradas en la normada ocasión de experiencia que es la obra de y vendrá a enriquecerla. Como escribió Descartes: <<Intellectio enim proprie mentis passic est>>.

 

José María Iglesias.

 

 

 

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José María Iglesias: ELDAG

ELDAG es palabra formada con las iniciales de Elucidación Lúdica De Argumentación Geométrica. Tal es la manera más breve y precisa que se me ocurre para designar mi pintura actual.

Elucidación aquí es antes que nada opuesto a dilucidación. Escribí hace tiempo: <<En cuanto al titulo de toda esta ya larga secuencia proviene de que denomino de elucidación a todo tipo de arte tradicional, constructivo, correcto; y de dilucidación el arte de tipo expresionista, donde lo subjetivo domina y aflora incontrolado o casi>>.

En el arte de tipo elucidatorio el artista explicita su discurso siguiendo sus propias pautas, atento tanto a la norma que él mimo marcó como a la dicción que debe d enriquecer y hacer inteligible al todo. En el arte de tipo dilucidatorio el cuadro es el campo de batalla (limitada la batalla donde no acecha la muerte) o el viaje en la noche sin saber a dónde (limitado viaje sin salir del taller del pintor).

Lúdica vine a calificar la puesta en claro que es  la elucidación. El juego, aquí, es  el libre juego del artista en el sentido de Fritz Kaufmann cuando dice: <<El libre juego del artista no es mera imaginación sin fundamento. El fundamento de la verdad artística es en algún sentido más radical que el de cualquier otra verdad”. Esta verdad artística es de carácter trascendente>>.

Libre juego, manifestación de individualidad creadora que John Dewey resalta cuando escribe: <<La libre individualidad, fuente del arte, es también la fuente suprema del desarrollo creador a través de .los tiempos>>.

Este libre juego, esta manifestación de individualidad creadora, deberán ser los más caros elementos de la obra de arte para los artistas. Y que nadie hable de frivolidad en un arte entendido. Jugar libremente, manifestar libremente la individualidad creadora a través de la inocuidad del arte es mucho más arriesgado de lo que pudiera parecer a simple vista. Conlleva casi siempre soledad y desprecio. La soledad del que  no entiende el mundo circundante y el desprecio del que no entiende, el que osa presentar jugando libremente con su individualidad creadora.

La Argumentación Geométrica ha sido escogida (aparte, seguramente de idiosincrasia, formas congénitas de ser o pensar, etc.) por entender que es en sistemas geométricos donde pueden darse los modelos mejores de construcciones coherentes.

La creación o utilización de modelos geométricos me permite asentarme sobre sistemas derivados de gran sencillez, que pueden devenir de gran complejidad, e instalarme en bases que encada obra se completan y complementan, en las que todo se deriva del resto. Dicho quedó antes que para mí una pintura es una entidad coherente de relaciones internas.

Personalmente, adoptando y adaptando al longevo sofista de Leontini, pienso que en arte no hay nada que expresar ni comunicar y si algo hubiese seria, precisamente, inexpresable e incomunicable. Creo que los pintores pintamos porque queremos ver pintado lo que pintamos o porque nos falta valor para dejar de hacerlo o –como en mí caso-porque pintar es lo que más me entretiene mientras espero la muerte.

Muchos años de adicción a la pintura me han llevado a un atisbo de convicción: pintar es distribuir un plano y surtir de color cada celdilla resultante. Me gustaría hacerlo de un modo equitativo y armónico. Todo lo demás me parece ilusión vana y sofisma. Quisiera que los ejercicios metaconstructivos que componen esta muestra fueran contemplados desde este punto de vista.

 

José María Iglesias.

 

(Texto reproducido en el catálogo de la exposición  “La Acuarelas de José María Iglesias”. Alicante .1990

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