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Entrega número 48
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Entrevista 10 + UNA a Koldo SEBASTIÁN

Entrevista 10 + UNA a Koldo Sebastián

Por Javier Martín

 

koldo sebastian.entrevista 10 + una. javier martin

Koldo Sebastián

(Pamplona, 1961)

Imagen cortesía del artista

 

De formación autodidacta, Koldo Sebastián ha mostrado su obra en múltiples ocasiones de manera individual, principalmente en Navarra, País Vasco y en Madrid en el espacio de la galería Quorum. Trabaja en series a las que ha dado nombres tan sugerentes como “Physis”, “Calignometrías” y “Whasi”. En todas ellas ha sabido unir lo etéreo con lo geométrico, la línea con la curva, el color con la sombra yoriente con occidente.

 

1. ¿Qué tiene de espiritual la geometría?

Entiendo la espiritualidad como la potencia conectora que desde la relatividad nos vincula con el absoluto y, en ese sentido, la geometría puede ser una de sus más rotundas formas de proyección.

No hay nada más que pensar en “el punto”, esa entidad imperceptible, inmensurable e irrepresentable, desde la que se pueden trazar todas las líneas, perimetrar todos los planos o construir todos los volúmenes. Pocas ideas son tan inherentemente espirituales como este concepto, siendo a su vez tan genuinamente geométrico. A mi entender, el punto, al lograr desde su concreción objetiva la máxima capacidad irradiadora, y la geometría, como lenguaje mediante el que desarrollar esas posibilidades, se convierten en un modo infalible para manifestarnos como seres finitos abiertos al infinito y, por tanto, trascendentes. 

 

2. ¿Cómo ha influido en su obra Kandinsky y su escrito De lo espiritual en el arte?

Este libro llegó a mis manos acompañado del don de la oportunidad. Leerlo a principios de los 80, cuando yo contaba con poco más de 20 años, supuso el encuentro entre unas inquietudes atolondradas y necesitadas de esclarecimiento, las mías, y unos planteamientos, los de Kandinsky, en los que cristalizaban con nitidez y elocuencia enunciados y reflexiones en los que apoyar mi incipiente identidad creadora.

Mirándolo desde la perspectiva del tiempo, es indudable la influencia que su contenido ha supuesto en mi relación con el color y la forma, pero creo que la ascendencia de mayor calado la refleja una de las muchas frases que podría rescatar de su texto. “La pintura es un arte, y el arte, en su aspecto global, no es una creación inútil de objetos que se deshacen en el vacío sino una fuerza útil que sirve al desarrollo y a la sensibilización del alma humana”.

Sin riesgo de exagerar, puedo afirmar que De lo espiritual en el arte supuso un hito iniciático que todavía en mis relecturas actuales sigue aportando consistencia al sentido profundo que yo busco a través de la creación plástica.

Por otra parte, más allá de los planteamientos teóricos, la obra de Kandinsky pienso que ha facilitado que, creyéndome un geómetra practicante, logre moverme con naturalidad en la heterodoxia que supone incorporar a mi trabajo componentes líricos e informales que hacen de mis resultados pictóricos algo mestizo donde intento conciliar el criterio y la intuición. 

 

3. ¿Cuál es la ciudad invisible de Italo Calvino que más le atrae?

Nada más comenzar el capítulo VIII de Las ciudades invisibles y tras que Kublai Kan y Marco Polo se sitúen frente a un tablero de ajedrez, el viajero imaginario habla al gran emperador de Irene.

Irene es la ciudad donde habita el horizonte, el anhelo, lo inalcanzable… Es la ciudad a la que se mira desde la distancia que hace que cuando se llega a ella, se la deje de reconocer como destino.

Este lugar que Calvino inventa me gusta sobre todo por su carácter paradójico. Un lugar que quienes lo habitan o llegan a él no identifican con las claves con las que sí logran hacerlo desde la lejanía. Una ciudad que habla de la transición entre el exterior y el interior y de la transformación consustancial a dicho tránsito.

Si entendemos el arte como una conmoción interna que se produce ante el influjo de determinados estímulos externos ¿no es Irene un lugar donde eso adquiere un especial sentido?

 

koldo sebastian.entrevista 10 + una. calignometrias. javier martin

Calignometría

Galería Pintzel (Pamplona). 2007

Imagen cortesía del artista

 

4. ¿Qué es una Calignometría?

Calignometrías es el neologismo con el que titulé el proyecto plástico que desarrollé desde 2002 hasta 2011. Como acrónimo, reúne los conceptos del griego clásico Cali (la belleza perfecta), Gnom (el ángulo de una sombra) y Metría (la medida).

Este es un trabajo que tiene su fundamento en una doble base. Por una parte una tricromía compuesta por tres colores (gris pizarro, blanco zinc y sombra natural), que inspiré en la observación de las tonalidades dominantes de las rocas de l’Alt Ampurdà y, por otra, la que constituyen tres dimensiones geométricas elementales (el área de un plano, su mitad y la cuarta parte).

Fruto de la interacción entre esta dualidad, inicialmente me surgió un conjunto de pinturas básicas en las que se desarrollaban conceptos geométricos elementales como línea horizontal y vertical, paralelismo y perpendicularidad o figura ortogonal. También desarrollé una matriz compuesta por 16 unidades realizadas sobre tablas de 25 x 25 cm. La relación entre ellas me permitió establecer una dinámica constructiva susceptible de generar infinidad de resultados formales.

Con esta matriz como base, puse en marcha un sistema combinatorio del que en determinadas ocasiones surgían argumentos pictóricos de mi especial interés. A partir de ellos y mediante la aplicación de óleos encerados sobre tela de algodón, obtenía resultados en los que se conservaban las constantes de color y geometría que he mencionado. Como consecuencia de este trabajo, he producido un centenar de pinturas de tamaños comprendidos entre los 25 X 25 cm. y los 200 X 100 cm. cuya presentación es posible tanto de manera individual como integrada en composiciones polípticas.

Estos resultados bidimensionales se complementan con una vertiente tridimensional que comencé a materializar en el año 2006 y en las que adquiere un especial protagonismo la relación entre volumen, plano, línea y punto. Cuenta con dos tipos de estructuras.

En una de ellas, apoyé la construcción versátil de objetos en el ensartado de planchas de acero. Esto era posible gracias al machihembrado que permiten las una, dos o tres ranuras que cada una de ellas tiene. Las construcciones siempre las planteo en base a juegos de 16 planchas de 25 X 50 cm. y 4 mm. de espesor pintadas según la base tricromática de la serie y a las que traté con un acabado antifricción que permite su montaje y desmontaje recurrente.

La otra estructura volumétrica es también un resultado polivalente fruto de la interrelación combinatoria de siete módulos distintos, surgidos de la descomposición del cubo. También los produje con acero, en base a planos cuadrados de 25 X 25 cm. y 4 mm. de espesor, pintados cada uno de ellos según el gris, blanco y marrón propios de la serie hasta producir un total de 21 diedros y triedros.  

Calignometrías es, pues, un producto con vocación de juego, de rompecabezas en el que todas las soluciones son potencialmente válidas. Una herramienta para la articulación de resultados surgidos de la manipulación de las unidades constructivas que la constituyen. Es, en definitiva, una propuesta de relaciones potenciales, de conexiones por establecer, una invitación a la búsqueda en la que el destino a alcanzar es el propio ejercicio indagador.

 

5. ¿Cuál es la medida del ángulo bello?

Retomando la importancia que en mi caso tiene la relación entre arte, geometría y espiritualidad, responder a esta cuestión me lleva a introducir el concepto de “la mística”. Experimentar esa armonía sublime que no necesita de sentimientos, pensamientos ni acciones requiere de una dimensión, de un ángulo, al que yo atribuyo la siguiente medida:

Aquella donde habita la afectación nula,
la indiferencia del nadie ante la nada,
el éxtasis vacuo y atemporal
del quién desatribuído ante el qué sin cualidades.

Aquella que acoge la sabiduría del no saber,
el horizonte del no desear,
la soberanía del no tener,
la disciplina del no deber,
la omnipotencia del no poder,
el hallazgo del no buscar,
la eternidad del no vivir.

Aquella donde residen todas las ausencias y
la plenitud inefable de la contemplación anonadada.

Aquella en la que se deposita la inconmensurable presencia
del ser que es al no ser nada…

Aquella es la Calignometría.


koldo sebastian.entrevista 10 + una. washi. javier martin

Washi. 2003
Papel de Nakatomi, grafito y punta de plomo
198 x 108 cm.

Imagen cortesía del artista

 

6. ¿Cómo surge  la serie Whasi?

Washi es uno de los trabajos en los que más claramente queda de manifiesto la influencia oriental en mi actitud personal y artística.

A partir de mi primer viaje a Japón en el año 2001 y tras interesarme por la elaboración artesanal del papel genuinamente japonés, comencé a desarrollar una serie de trabajos en los que el washi, una de las señas de identidad más destacadas de la cultura nipona, se convirtió en uno de los ejes fundamentales de mi creación.

Tras seleccionar por mi mismo los papeles en fábricas como las de Yame, Nakatomi y Kurotani en viajes posteriores, pasé a intervenirlos con grafito, punta de plomo y carbón mediante dibujos realizados con lápiz o al pincel, siempre en seco. La intención de los procedimientos era buscar una interacción con las diferentes fibras que componen cada lámina para hacer del proceso de elaboración una manera de aproximarme al origen natural de los materiales utilizados.

Esta concepción del manejo de los materiales la complementaba con un contenido argumental en el que el valor representativo de la pureza y la iluminación que el papel tiene en Japón se fundía con la incorporación de la línea curva, el círculo y la esfera, elementos que a su vez simbolizan allí lo sagrado.

Este encuentro con el pensamiento oriental, que afortunadamente sigue teniendo en la actualidad gran presencia en mi vida, acentuó notablemente una de las claves que mejor identifican mi planteamiento creativo: la interpretación plástica de la filosofía como vehículo de aproximación a lo verdaderamente esencial.

 

7. Como amante de la cultural japonesa, ¿cree que la mentalidad occidental puede llegar a comprender en profundidad el pensamiento de los haikus?

Si tal y como define el propio Matsuo Basho, “Haiku es lo que está sucediendo en este lugar y en este instante”, la disposición con la que esta delicadísima forma de poesía se acerca a la realidad supone un completa renuncia al pasado y al futuro para centrarse, exclusivamente, en el presente.

Estos retratos mínimos, tradicionalmente compuestos de tres versos de 5, 7 y 5 sílabas, capturan detalles de la naturaleza o lo cotidiano y deslizan a través de ellos la referencia a un estado de ánimo. Es su simplicidad, su desnudez, la ausencia de metáforas o comparaciones lo que les hace funcionar como una evocadora caja de resonancia sensitiva y emocional donde no tienen cabida ni los prejuicios ni las expectativas.

Mucho me temo que los valores en los que se asienta el estilo de vida que prevalece en lo que entendemos como occidente, distan demasiado del propósito que esta fórmula contemplativa persigue. Basta considerar la importancia que en los diferentes entornos de nuestra forma de civilización tiene la quietud, el silencio o el aquí y ahora, para intuir la gran fractura que nos separa de la plenitud de un haiku.

Parece complicado que, desde la sobreexposición que genera el barullo y el frenesí que suele rodearnos, podamos introducirnos con hondura en mecanismos tan parsimoniosos, sutiles e íntimos. Nos queda la esperanza de pensar que, quizá, podemos acercarnos alguna vez a esta manera de ser y estar en el mundo para disfrutarla, al menos, ocasionalmente… 

 

8. En estos momentos, ¿cuáles son los mayores retos para los artistas de la Comunidad  Navarra?

Al margen de las aspiraciones individuales que el nutrido y rico panorama navarro de las artes plásticas actuales pueda tener, creo que el mayor reto de esta comunidad está en que las instituciones públicas y privadas logren mejorar la articulación de sus relaciones para plantear actuaciones cooperativas estables. Más allá de lo que supone el funcionamiento concreto e identitario de cada una de ellas, pienso que la situación local adolece de una organización que orqueste iniciativas transversales y en red, con las que multiplicar los efectos interactivos que la sociedad necesita.

Navarra es una comunidad pequeña, de apenas 650.000 habitantes, en la que se ha optado por una atomización de los espacios de cultura contemporánea, creando museos y centros de arte que, en mi opinión, se han construido sin un análisis suficientemente profundo de su razón de ser, sin un previo diagnóstico realista de las necesidades existentes y sin un plan director con el que actuar lo más eficazmente posible.

Puede servir de ejemplo el hecho de que, no contándose en el tejido académico universitario de Navarra con la posibilidad de realizar estudios artísticos superiores y careciéndose de infraestructuras específicas que cuenten con instalaciones y dotaciones adecuadas para la investigación, la experimentación o la creación, se disponga de numerosos e importantes espacios donde fundamentalmente prima la exposición de resultados y la difusión artística.

A pesar de los esfuerzos que con su mejor intención llevan a cabo los responsables de estas instituciones para desde sus posibilidades intentar paliar algunas de las necesidades más acuciantes, parece evidente que existen claves fundamentales que se atienden de forma deficitaria.

Es por esto que desde hace algún tiempo se prodigan iniciativas autogestionadas que intentan, con la precariedad consustancial a la que tienen que hacer frente este tipo de alternativas, encontrar soluciones a los problemas generados por un modelo insuficiente Por ello, considero urgente una revisión integral y global de las actuales infraestructuras para convertirlas en un sistema más funcional y operativo, capaz de mejorar la atención de las necesidades e inquietudes de cuantas personas se mueven en torno a la creación plástica en Navarra.    

 

9. ¿Qué habría que cambiar para mejorar la visibilidad de los artistas en los diferentes territorios de nuestro país?

Soy de la opinión que la visibilización de los artistas más allá de sus límites geográficos cercanos depende en gran medida de la audacia con la que el propio artista gestiona sus parámetros e, incluso, de la complicidad con la que cada creador actúa como aliado en la visibilización de otros creadores a través de las posibilidades y de los medios que estén a su alcance. Preguntarme, como artista-individuo, por lo que yo hago para lograr la presencia exterior que deseo y por cómo actúo para apoyar la presencia de artistas foráneos en mi entorno no me parece cuestión baladí en este tema. 

Pero además de una reactivación y reforzamiento de la propia iniciativa para de ese modo diluir una excesiva dependencia de entidades y planteamientos oficiales, también creo necesaria una reformulación de la política de intercambios entre las instituciones y centros artísticos.

Aunque evidentemente existen programas que facilitan esa dinámica con acierto y compromiso, mi impresión es que en no pocas ocasiones los intercambios suelen tener una finalidad que se satisface mediante convenios circunstanciales para el trueque o la itinerancia de exposiciones.

Y no seré yo quien reste valor a este tipo de actuaciones, pero sí que creo que es necesario un incremento de otras opciones que también generan no solo proyección, sino también vinculación. Por ejemplo, intensificar las becas y residencias en las que se prime la reciprocidad interterritorial, incentivar las acciones formativas en las que se cuente con artistas de otras comunidades o crear foros en torno a centros de interés plástico que puedan abordarse desde la visión multicultural que permite nuestro estado autonómico, son opciones que aunque ya inventadas, requerirían un plus de activación.

 

10. ¿En qué proyectos está trabajando?

Tras la finalización de trabajos como los ya citados, estos últimos tiempos estoy volcado en un nuevo desarrollo de lo que entiendo es una constante en mi trayectoria: la vocación bipolar, siempre oscilante entre el número y el misterio, entre la analítica y la emoción, intentando lograr un crisol de contrarios donde tan importante como desentrañar el secreto de las cosas es disfrutar del enigma que las acompaña.

En este caso, la necesidad de búsqueda de argumentos y las dudas de las que tiendo a acompañarme, me han dirigido hacia una reflexión sobre un binomio clásico: el todo y las partes. Con este punto de arranque y considerando que mis inquietudes conviven por igual con lo microscópico que con lo macroscópico, he saltado de una fuente de inspiración como la geológica a otra con intereses cósmicos.

Infiniverso: apología de la desmesura, es el título provisional con el que identifico mi actual trabajo. Desde él estoy planteando una reflexión plástica sobre la cualidad de un “todo” cuya infinitud más destacable es su ilimitada inclusión dentro de sus propias partes. Para ello, me apoyo en el Mecanismo de Anticitera y en su estructura de engranajes circulares con el que ya hace 2.000 años se podían calcular orbitaciones y eclipses y lo convierto en símbolo de la medida. A través de su interpretación estoy buscando una representación de ese “todo” que entiendo puede definirse así: Todo es cuanto se contiene en un círculo de radio infinito. En ello estoy.

 

+UNA. Para finalizar, adjunte unas palabras a cada uno de los siguientes nombres o términos:

Miguel Alberquilla

Figura apasionada, coherente y aglutinadora de la geometría española. Desde que en 1995 me dio proyección a través de Quorum, siempre sentí su afecto, confianza y respeto.

Cabo de Creus

Paraíso sensorial al que debo una parte nuclear de la paleta y estructura de mi obra y en el que me reencuentro, en cada uno de mis retiros anuales, con la paz interior de forma cotidiana.

Museo Oteiza

Refugio desocupativo en el que experimentar la estética a través de la escultura y la lingüística.


koldo sebastian.entrevista 10 + una.Infiniverso. . javier martin 

Infiniverso. 2014
Óleo y acero encerados
56 X 39 cm.

Imagen cortesía del artista

 

Entrevista realizada a Koldo Sebastián por Javier Martín en abril de 2015.

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