Leyendo cuadros. Mirando historias


>> Listado de todos los relatos publicados 

Entrega número 48
Postludio. José Mª Yturralde
José Mª Yturralde
Postludio
VER

Documentos de introducción
 Introducción de Javier Martín 
 Introducción de Ana Álvarez 
 Listado de autores 

Login

Ars Citerior

Entrevista 10 + UNA a Jesús ZURITA

Entrevista 10+UNA a Jesús ZURITA


Por Javier Martín

 

jesus zurita. entrevistas 10 + una

Jesús Zurita
(Ceuta, 1974)

(imagen de Gonzalo Posada)

Imagen cortesía del artista

 

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada, donde vive desde 1993.

En su producción están presentes el dibujo, la pintura y la instalación, esta última denominada por el autor como “pintura mural”. A pesar de los elementos con referencias orgánicas y de las atmósferas inquietantes habitadas por seres que se funden con elementos de la naturaleza, podemos calificar sus obras de bellas.

Hay quien ha visto en las obras de Zurita una narración, pero el artista nos ofrece unos pocos elementos reconocibles y son los espectadores quienes los aúnan y crean una historia, diferente para cada uno de nosotros.

 

jesus zurita. entrevistas 10 + una. ventolera.instituto cervantes

Ventolera (mural). 2008

Instituto Cervantes. Tokio

 

Ha expuesto en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla, el Palacio de los Condes de Gabia y el Instituto de América / Centro Damián Bayón de Granada, en las galerías Fúcares, Ángeles Baños, Sandunga, Espacio Líquido y Alfredo Viñas. Y fuera de nuestras fronteras, en lugares como GEGalería de Monterrey (México), Costantini Arte Contemporáneo de Milán, 7 Contemporary Art Gallery de La Haya, o en el Instituto Cervantes de Tokyo.

 

jesus zurita. entrevistas 10 + una. entrevista 10 + una. otra. coleccion ars citerior

Otra. 2012.

Imagen cortesía del artista

 

1. ¿Cuál fue su primera experiencia con el arte contemporáneo?

Llegué a la facultad de Bellas Artes sin el menor interés por el arte, ni contemporáneo ni pretérito. Quería dedicarme al cómic y no sé por qué peregrina razón pensé que esta licenciatura era el paso lógico e indispensable para conseguirlo. Nunca lo conseguí. Y en la medida en que esta imposibilidad se iba sustanciando, el ambiente que vivía en la facultad se iba sedimentando en el escaso hueco de mi cráneo. Hasta que un día saltó la chispa y me encaminé por fin. Fue un póster de Mark Rothko que teníamos en clase de pintura. Cuando llegó el sentido de esta pintura y de LA PINTURA fue una de las experiencias más intensas que tuve. Es la vieja historia equidistante entre la bíblica caída del caballo y los tópicos desengaños amorosos con resolución en prostíbulo de aquellas crónicas de posguerra. Con menos épica, eso sí.

 

2. ¿Dónde podemos ubicar su trabajo?

Me gustaría tener esas coordenadas, pero lo cierto es que las he extraviado. Muy conscientemente, además. La verdad es que no quiero tener esas coordenadas. El tiempo me ha revelado que mis procesos necesitan fluir y para esto se necesitan pocas certezas. Esto no me libra de ser situable o empaquetable, por supuesto. Soy consciente de la importancia de un contexto para todo acercamiento a una obra artística. Pero para mí es mucho más importante la experiencia de la obra que su comprensión. La primera vivifica, dinamiza y multiplica todo acercamiento, mientras que su comprensión la agota en directrices y una vez codificada y estanca en nuestro conocimiento sólo queda recordarla en su cápsula. Como artista, creo que mi responsabilidad es la de construir la obra como un mecanismo que pueda visitar una y otra vez y siempre me ofrezca algo nuevo, que su recuerdo se derrame y nos impregne. Sólo así puedo ofrecer al espectador algo con lo que convivir, con lo que compartir esos lapsos que construyen caminos en nuestra memoria.

 

3. ¿Puede hablarme de su proceso de creación, donde empiezan las cosas, cómo evolucionan…?

Físicamente empieza todo con sucios garabateos en una libreta. Ahí aparece el primer atisbo de lo que será. Pero la realidad es que el proceso germinal es continuo y muy anterior a la primera línea sobre el papel. Podría decirse que es una sedimentación continua de referentes, experiencias y obras o líneas de trabajo anteriores. Es una  resonancia que forma parte de mi cotidianidad. Hasta que la imagen por fin madura y puedo entenderla. No es un newtoniano golpe de manzana pero tampoco es una fría ecuación resuelta sin decimales. La parte más importante para mí viene ahora, con la primera idea a mano, cuando construyo y afino la composición porque ella es el núcleo de la obra. La que va a bombear y distribuir la sangre. Todos los recursos y pericias plásticas de las que dispongo son inútiles si no son irrigados por una composición pertinente. Tras esto viene el lienzo, el papel o el muro. Y por último, huyo.

 

4. Muchas de sus obras exploran límites perceptivos y generan tensiones físicas y psíquicas. ¿Puede hablarme de su trabajo en términos emocionales?

Es muy cierto que el límite y sus tensiones derivadas son rasgos inherentes a lo que hago y por extensión a lo que pienso. No se llamen a engaño;  no me imaginen como un tarado anfetamínico con una cuerda de hacer puenting atada a la cintura. Dejémoslo en tarado pero tranquilón. El límite es lo que nos define, es el que construye nuestra identidad. También creo que el universo se puede comprender en su esencia con este concepto. Porque en el paso de lo que es a lo que no es ocurre todo. Y es aquí, en éste transitar, donde una sospecha nos doblega hasta el anhelo; como la retirada de los océanos hacia un único sonido. Esta es la sospecha de la nada. En términos de emoción creo que hablaríamos de lo sublime.     

 

5. Sus obras ¿cuentan alguna historia?

Son narrativas, pero rehúsan de la ortodoxia inicio-nudo-desenlace; de aquel momento pregnante pictórico. Son narraciones que se conforman con el encuentro de diferentes naturalezas en un mismo contexto, sin reducirlas a símbolos. La evolución de éstas y sus desencuentros se dan en presente continuo, el mismo en que el espectador se conjuga. Puede que sean escenas inverosímiles, con un grado de abstracción mayor o menor, pero las considero siempre reales. Nunca hipotéticas, oníricas, subconscientes, etc. Son reales por su vinculación con el espectador. Conviviendo y compartiendo el mismo tiempo y espacio. Es como me gusta trabajar. Sabiendo las imágenes como reales, aunque nunca lleguen a ocurrir. Confieso que en algún punto me asalta una balbuciente certeza que cree en posibilidades estadísticas, de una invitación a suceder. Es el deseo de entender todo un poco mejor. Y ése es el relato de mi obra: crónicas de lo que sospecho ha sido y será, con el somos entre medias. Como un garbanzo alcanzando la singularidad de un agujero negro; inverosímil, estúpido e irrelevante pero sé que ha ocurrido. Y va a ocurrir.

 

6. ¿Ha pensado qué subyace tras los miedos a insectos y la aprensión a las vísceras y órganos anatómicos?

No me he psicoanalizado así que no sé de donde vienen o el por qué. Son muy comunes por otro lado, sólo que yo he decidido sacarles provecho y usarlos como motores de mi trabajo. Nada nuevo, por otro lado. El miedo a determinados insectos es sólo ridículo, nada provechoso. Otra tara con la que avergonzar a mi hija. Las vísceras producen en mí cierto efecto de “acople sonoro”. Enfrentarme a la maquinaria biológica de lo que soy me deja desarmado, “chirriando”, frente a la  idea de la muerte que aparece siempre a última hora, invasiva y tuteadora. Pero creo que estas angustias nos proporcionan los márgenes necesarios para movernos. Me dan la oportunidad de participar en las relaciones y vinculaciones entre las partes representadas en la obra. Porque, ante todo, desconozco sus naturalezas últimas. Y desconociéndolas me las creo. El abismo de su identidad siempre me devuelve retazos de la mía. Celebremos lo desconocido. Bendito no saber.

 

7. En sus murales el espectador tiene la sensación de sumergirse dentro de la obra. ¿Qué espacios son los que prefiere para que se produzca esta magia con el observador?

La verdad es que no tengo preferencias al respecto. O no debería. Ya llevo casi 16 años haciendo murales y he aprendido que no se trata de lo que yo quiera, sino del consenso al que llegue con la arquitectura que me alberga. Siempre llego con directrices o bocetos previos pero cambian inmediatamente con los primeros recorridos. Y no nos olvidemos de las posibilidades a nivel de recursos disponibles. Esto también es fundamental. Todo cuenta en el filtrado hacia la esencia última que es la obra. Nada impide que ésta se realice.

 

8. ¿En qué ha influido Soledad Sevilla en su obra?

¿Por dónde empezar?. Con ella aprendí que esto es serio, que las ideas se llevan a cabo y que la obra se realiza. Ella fue mi profesora en BBAA y me inculcó la responsabilidad de ser artista y de alejarme de todos los piernicruzados diletantes de la cafetería. Más adelante, conociéndola y observándola trabajar, aprendí donde situar las certezas en el trabajo porque pueden llegar a ser perniciosas. Lastrantes. La obra debe fluir para que encuentre su lugar respecto a todos los demás lugares. Nunca estás meramente ante un cuadro o una instalación de Soledad; la experiencia única (total) de sus procesos te llevan a una experiencia poética sin imposiciones o condiciones previas. Te sabes partícipe de una constelación.

La idea de proceso, capital a todos los niveles para mí, me viene de ella en la práctica y de Alfonso Masó en su conceptualización. De estudiante recuerdo que me fijaba mucho en cómo Soledad entraba en un espacio y lo estudiaba. Cuando algo le gustaba podías ver literalmente sus pensamientos fundiéndose en el entorno. Y si el sitio no daba para mucho, era graciosísimo cómo a duras penas podía ocultar su desinterés. Pura raza.   

 

9. ¿En qué lugar le gustaría exponer?

En todos. Donde sea. Especialmente en la singularidad de un agujero negro junto al garbanzo.

 

10. ¿Qué proyectos tiene programados para la temporada 2014-2015?

No me gusta dar por sentado nada, así que no voy a pormenorizar mi agenda para los próximos meses, los imprevistos siempre están ahí y pueden crearse confusiones. Haciendo un resumen de lo realizado en los últimos meses, está la exposición “Paráfrasis. La recepción de El Greco en el neobarroco actual” en el Museo de Albacete, “La imagen fantástica” en la sala Kubo de San Sebastián, la obra en el stand de la galería Ángeles Baños en Estampa y en la misma galería en Badajoz, y en una colectiva sobre el paisaje en el CAAC Sevilla.

 

+UNA. Para finalizar, adjunte unas palabras a cada uno de los siguientes nombres o términos:

 

Ángeles Baños

 

Confío plenamente en ella, y creo que éste es el mayor elogio de un artista a su galerista. Admiro su proyecto y la pulcritud y honestidad de su defensa.

Cómic

Origen y final. Y lo de en medio. Soy quien soy y éstas son mis entendederas.

Carlos Aires

 

De lo mejor de nuestra generación. El que hará que nos recuerden. Y de mis mejores amigos. La barba que luzco en realidad son desaforadas patillas Carlistas.

Otra

Una anunciación minúscula y temblorosa. Cotidiana y remota.

La carretera

Meridiano de sangre. Y Sutree. Y En la frontera.

 

jesus zurita. entrevistas 10 + una. entrevista 10 + una. huir comprendiendo

Huir comprendiendo. (detalle) 2014

Imagen cortesía del artista

 

Entrevista realizada a Jesús Zurita por Javier Martín en diciembre de 2014.

Más información:  www.jesuszurita.com

                                                           

Powered by Bullraider.com