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Entrega número 48
Postludio. José Mª Yturralde
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Ars Citerior

Entrevista 10 + UNA a Daniel G. ANDÚJAR

Entrevista 10+UNA a Daniel G. Andújar. Artista visual, teórico y activista

Por Javier Martín

Daniel G. Andujar

Daniel G. Andújar

(Almoradí, Alicante, 1966)

Imagen cortesía del artista

 

Es un artista visual, teórico y activista que trabaja y vive en Barcelona. En el presente mes de enero inaugura su exposición individual Daniel G. Andújar. Sistema operativo en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía comisariada por Manuel J. Borja-Villel.

 

Estamos vigilando

Estamos vigilando. 1994.

Intervención en espacio público con Grupo Baja Mar,
imagen de la playa de La Concha, San Sebastián.

Imagen cortesía del artista

 

Daniel G. Andújar cuestiona, mediante la ironía y la utilización de estrategias de presentación de las nuevas tecnologías de la comunicación, las promesas democráticas e igualitarias de estos medios y critica la voluntad de control que esconden detrás de su aparente transparencia. Partiendo de la constatación que las nuevas tecnologías de la comunicación están transformando nuestra experiencia cotidiana, Daniel G. Andújar crea una ficción (Technologies To The People, 1996) con el fin de hacernos tomar conciencia de la realidad que nos rodea y del engaño de unas promesas de libre elección que se convierten, irremisiblemente, en nuevas formas de control y desigualdad.

 

Transcripciones desclasificadas de Bengasi. 2013

Transcripciones desclasificadas de Bengasi. 2013

Imagen cortesía del artista

 

Ha dirigido talleres para artistas y colectivos sociales en numerosos países. Su trabajo se ha podido ver ampliamente en eventos, galerías, intervenciones en espacio público, museos y bienales como Manifesta, Bienal de Venecia, Seul, o Helsinki. Miembro histórico de irational.org (referente internacional del arte en la red), fundador de Technologies To The People y director de numerosos proyectos en Internet como artnet-dortmund, e-barcelona.org, e-valencia.org, e-seoul.org, e-sevilla.org, e-stuttgart.org, postcapital.org, FAD. Xarxes d’Opinió, etc. Su proyecto Postcapital Archive –www.postcapital.org– fue presentado por primera vez en 2006 en el centro La Virreina de Barcelona. Desde entonces, esta propuesta multimedia en proceso ha ido ampliándose en sucesivas exposiciones, talleres, workshops e intervenciones en el espacio público llevadas a cabo en numerosas ciudades: Oslo, Santiago de Chile, Bremen, Montreal, Gijón, Dortmund, Madrid, San Francisco, Girona, San José, Sevilla, Helsinki, Utrecht, Praga, etc. y de forma antológica, en la Württembergischer Kunstverein de Stuttgart; Total Museum of Contemporary Art en Seoul; OPAL Contemporary Art Space en Istanbul; Iberia Art Center en Beijing; y la 53a Bienal de Venecia.

 

 

El Capital. La Mercancía. 2014

El Capital. La Mercancia. 2014

Imagen cortesía del artista

 

1. ¿Cómo definiría la cultura?

Pregunta de tesis doctoral, así que me remitiré a conceptos muy básicos. La definición del diccionario es perfecta: “Conjunto de conocimientos que permite a alguien desarrollar su juicio crítico”.

La cultura es ante todo un proceso que incluye el conocimiento, el arte, las creencias, la ley, la moral, las costumbres y todos los hábitos y habilidades adquiridos dentro de un conjunto social. Son los conocimientos e ideas adquiridos gracias al desarrollo de las facultades intelectuales, mediante la lectura, el estudio y el trabajo pero también forman parte de la cultura las tradiciones y costumbres que caracterizan a un pueblo, a una clase social, a una época, etc. Aunque podemos hablar del aparato cultural económico, de la imposición cultural, etc. Pero eso ya es otro tema seguramente.

 

2.  ¿Cuál debería ser el papel de los museos?

Desde luego existe un cuestionando las formas tradicionales de comprensión, gestión y trabajo con los bienes simbólicos. Por todo ello debemos detenernos a observar las nuevas relaciones en los espacios institucionales. Evidentemente estas transformaciones tienen una indudable influencia a la hora de afrontar la presencia del museo –en su carácter más amplio– en la sociedad y su dimensión en el entramado cultural global. La Institución Arte ha sido absorbida como un mecanismo más de la producción de servicios, es parte activa del proceso de turistización del contexto urbano y participa en la compleja readaptación de las infraestructuras de la nueva ciudad. Pero el Arte, como cualquier otro proceso cultural, es básicamente un proceso de transmisión, de transferencia, de diálogo continuo, permanente y necesario. Y, tampoco lo olvidemos que significa también trasgresión, ruptura, ironía, parodia, apropiación, usurpación, confrontación, investigación, exploración, interrogación, contestación. La “Institución” está ante un reto no exento de paradojas e incluso contradicciones: la paradoja de constituirse físicamente en centros para promover iniciativas culturales que cada vez tienen un marco de representación más difuso.

 

3. En estos momentos ¿qué reforma es más necesaria en el plan estratégico de las artes visuales?

Sin duda ahora es urgente e inaplazable una estricta aplicación del código de Buenas Prácticas entre instituciones y artistas. Los artistas están siendo explotados e utilizados por instituciones agónicas, gestores culturales explotadores y políticos sinvergüenzas que buscan réditos mediáticos. Los recortes llevan ya unos años haciendo estragos en el mundo de la cultura, pero como siempre, no afectan a todos por igual. Cuando cierran las puertas de una institución artística; cuando un centro alarga o elimina actividades; cuando una institución decide no seguir pagando salario a los artistas; cuando elimina las publicaciones o estudios sobre su trabajo; cuando desaparecen líneas de investigación o de producción; cuando tiran de colección propia y dejan las exposiciones externas para otro año o intercambian sus fondos con centros cercanos sin más costes que los del transporte y el montaje; cuando una empresa no invierte porque no encuentra incentivos fiscales; cuando el galerista no puede vender… En todos y cada uno de esos casos los artistas somos los que peor lo pasamos. La dirección de la institución, montaje, transporte, conservación, restauración, secretaría, limpieza, publicidad, seguridad, seguros, publicaciones… muchos de estos servicios siguen, aún con los recortes, en pie. A los artistas, en cambio, esta maquinaria agónica y vacía de contenido nos aboca a un estadio de pobreza, de inestabilidad y de fragilidad que acabará eclipsando las posibilidades vitales de todo el sector.

 

4. ¿Qué opina  sobre la  propiedad intelectual?

Mira, yo soy un gran defensor de la apropiación. La práctica de la apropiación se ha convertido en una parte fundamental de muchas actividades culturales creativas y forman parte de una larga tradición bien documentada en la Historia del Arte. Por el contrario la propiedad intelectual, el copyright y por supuesto las patentes son los pilares sobre los que asienta el gran negocio de la investigación y la cultura. Ahí están los grupos de presión de la industria de los media afirmando que los titulares del derecho de autor necesitan un mayor control sobre sus obras. Un argumento falso, ya que el acceso equitativo al material protegido por derechos de autor se encuentra en el corazón mismo del principio de este derecho. Una ley eficaz de derechos de autor para los artistas debe ofrecer los medios legales para hacer valer sus derechos en su trabajo, pero nada más, no puede llegar a ahogar o incluso destruir los recursos creativos de los demás. Los artistas necesitan tener acceso a las obras de otros para desarrollar su propio trabajo y deben contar con el apoyo de la ley para no tener que trabajar en condiciones de incertidumbre.

En estos momentos hablar de propiedad intelectual nos lleva muy a menudo a hablar de autocensura, cuando no directamente de prácticas censoras y constringentes. La cultura es una construcción colectiva, es decir, de todos y la propiedad de ciertos procesos tiene que ser devuelta a la sociedad.

 

5. ¿Qué repercusiones ha tenido para la relación arte-ordenador, la experiencia del seminario de Generación Automática de Formas Plásticas realizada en el Centro de Cálculo de la Complutense a finales de  los sesenta?

Muy poca repercusión, en general en este país se hace muy poca historiografía critica y multitud de iniciativas han quedado sepultadas o han tenido muy poca visibilidad. Este tipo de iniciativas, como tantas otras, no han tenido un hueco en los análisis históricos y han quedado bastante sepultadas. Siempre he tenido la sospecha que esto hubiera sido rentabilizado de forma conveniente en otro contexto mejor preparado para asimilar procesos culturales de cierta complejidad.

 

6. ¿Cree que el arte se dirige a un futuro donde lo importante es la idea, y lo de menos es llegar a realizarla físicamente?

No lo creo, aunque existe una larga tradición desde los 60 que bebe de la cultura del proyecto, pero no deja de ser un recurso más. No debemos imponernos reglas, ni procesos o formatos definidos. Yo sigo una pauta, el arte debe de desarrollarse en un espacio de absoluta libertad, y eso implica que cuando menos reglas mejor. En cualquier caso también existe la corriente muy extendida en otros ámbitos, de un sistema de producción casi industrial donde una idea pasa a la cadena de montaje y se produce de forma vertiginosa siguiendo un modelo de consumo y producción casi fordista. Quién no ha oído hablar de esos estudios de grandes firmas del arte internacional con decenas de empleados.

 

7. ¿El arte en la red puede tener un mayor componente social que en los medios tradicionales?

No necesariamente, tomemos la Red como un instrumento más. Lo importante aquí es estar atento a algunos cambios significativos que se están produciendo y aprovechar las nuevas posibilidades derivadas de estas transformaciones. Un lenguaje lleno de capacidades, pero sometido a tensiones en un campo de batalla en el que se lucha por su control. Estamos inmersos en un proceso de digitalización que esta transfiriendo gran parte del legado visual desde su formato físico (formal), a otro puramente digital. Toda esta información está siendo depositada en contenedores que se sitúan en un nuevo plano cercano al del espacio público, dotado de gran visibilidad y, sobretodo, accesibilidad. Estas circunstancias generan un nuevo panorama visual saturado, barroco, ruidoso, creando un nuevo paisaje que está modificando las relaciones con nuestro imaginario. Este nuevo estadio de las formas digitales permite generar, transmitir, procesar, almacenar y consumir contenidos muy rápidamente, pero también modificarlos y recuperarlos con la misma celeridad desde un gigantesco archivo globalmente conectado, que, a su vez, está en continua elaboración y revisión. Cada vez será más difícil aprehender la realidad de forma autónoma e individual, es decir, que necesitamos generar de forma colectiva nuevas formas de aprendizaje y colaboración para desempeñar tareas tan simples como la de análisis, interpretación y comprensión de cada una de las imágenes y mensajes visuales con las que nos bombardean a diario.

 

8. ¿Una obra de arte nos emociona más cuanto más elevada es su tasa de información o cuanto más elevado es su factor de redundancia?

Pregunta intencionadamente dejada en blanco.

 

9. El paisaje como representación, ¿es una fuente inagotable para el artista?

Pregunta intencionadamente dejada en blanco.

 

10. ¿Qué puede adelantarnos del proyecto que presentará en enero de 2015 en el MNCARS?

Gran parte de las obras incluidas en esta muestra son de nueva producción, aunque también se exponen algunos trabajos anteriores significativos -desde principios de la década de los 90-, en los que ya se aprecian las constantes en diferentes proyectos en la que, además de la utilización de un método de trabajo colectivo y una interpelación que se dirige más a los usuarios que a los espectadores, aparecen la conversión y la reutilización crítica de herramientas, formatos y estéticas comunicativas ya existentes en la publicidad, los medios de comunicación de masas e Internet.

Se puede ver una de mis primeras intervenciones colectivas en el espacio público que hice conjuntamente con Igor Vamos  Ricardo Basbaum, Dale Yeo y Elisabeth Mc Lendon: la acción Estamos Vigilando. Cerrado. Ocup do, que se llevó a cabo en 1994 en la playa de San Sebastián, en el marco del taller Intervenciones urbanas iniciado por Antoni Muntadas organizado por un Arteleku que ya no existe. Esta acción o, mejor dicho, esta serie de acciones prefigura ya alguno de los rasgos esenciales de la orientación artística de mi trabajo. El trabajo con y en los espacios públicos, así como sobre estructuras urbanas y políticas del espacio, desempeña en todo ello un papel central.

 

+UNA. Para finalizar, adjunte unas palabras a cada uno de los siguientes nombres o términos:

 

Capital

Post-capital.

Los materiales del artista

Caja de herramientas.

Net.Art

Una etiqueta más.

Inforicos-Infopobres

Nueva jerarquía social.

 

Not Found, 1000 casos de estudio. 2014

Not Found, 1000 casos de estudio. 2014

Imagen cortesía del artista

 

Entrevista realizada a Daniel G. Andújar por Javier Martín en enero de 2015.

Imágenes cortesía del artista.

Más información

www.danielandujar.org.

http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/daniel-garcia-andujar-sistema-operativo

 

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