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Entrega número 48
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Entrevista 10+UNA a Francisco FARRERAS

Entrevista 10+UNA a Francisco FARRERAS

Por Javier Martín

 

entrevista 10 + una. francisco farreras

Francisco Farreras

(Barcelona, 1927)

Imágenes cortesía del artista

 

En 1954 comienza su trayectoria artística. A principio de los sesenta pasa a experimentar con el papel de seda blanco sobre tabla en negro, material que adquiría protagonismo sirviéndole como elemento para realizar el llamado “gesto”, tan característico en la plástica española de ese momento. Creó numerosos collages, que le dieron a conocer fuera de nuestras fronteras, con exposiciones como la de la galería Bertha Schaefer de Nueva York. A finales de la década sus collages fueron evolucionando, aclarándose en color y abandonando poco a poco su expresión  más informalista.

En 1984 produjo su gran salto hacia las tres dimensiones, con sus “coudrages” monocromos, hechos con telas cosidas rellenas de cartón, que le daban un volumen hasta entonces inexistente como realidad palpable.

 

entrevista 10 + una. francisco farreras. coudrage. coleccion ars citerior

Coudrage. 1985

Imágenes cortesía del artista


En 1987 la madera es la gran protagonista en los denominados “Relieves de madera”. Farreras descontextualiza esta materia procedente de derribos, para convertirla en un ensamblaje con características propias, ajustadas  una a otra con la ayuda  de aguja y alicates. Durante estos años y hasta 1988, alternó estos relieves con collages, técnica que fue abandonando a partir de entonces.

En la década de los noventa sus obras se llenan de tensiones y fuerzas, como si cada pieza de madera buscara su propio espacio estable, hasta encontrar el equilibrio en ese pequeño cosmos.

Con el cambio de siglo, Farreras sigue evolucionando, y podemos ver épocas en las que abandona los colores tostados de la madera para pasar a unos tonos claros casi blanquecinos, con superficies más despejadas y limpias. En otras series de estos últimos años ha mirado hacia la cultura oriental, despojando prácticamente a las composiciones de elementos en relieve, dejando únicamente la esencia de las texturas para que nos hablen por si solas.

  

entrevista 10 + una. francisco farreras. relieve madera. coleccion ars citerior 

Relieve de madera nº 7. 1994

Imágenes cortesía del artista



1. ¿Piensa que el momento actual en el arte es más o menos difícil que en los años sesenta?

Antes de la llegada de los años sesenta los artistas tenían ante sí la nada más absoluta; no existía la más mínima señal que pudiera alentar el insensato propósito de convertirse en “artista”. Semejante toma de conciencia y entrega fue verdaderamente un acto de insensata osadía porque era como subirse a un globo sin destino alguno.  Apenas habían galerías y las pocas que aspiraban a serlo (sin demasiada conciencia de ello) se dedicaban básicamente a la fabricación y venta de marcos: Salón Cano, Sala Vilches, Casa Macarrón – que proveía material para pintores – Fernando Fé, Estilo y pocas más. En sus reducidos espacios solían colgar algunos cuadros, a modo de exposición, de temática tradicional.

 Lo más atrevido e impactante que pudimos ver en aquella época, entre clase y clase de la Escuela de Bellas Artes, fue una pequeña muestra de un pintor italiano llamado Valdemi que, en lugar de usar los pinceles como medio para aplicar la pintura, tenía la valentía de hacerlo con una espátula! 

La figura del coleccionista, naturalmente, era también una rareza.  Tuvieron que llegar los certámenes oficiales llamados “Salón de Otoño” y la creación de las Bienales Hispanoamericanas y de Venecia para que el panorama artístico empezara a tener un aire más renovado.  No obstante hubo que esperar todavía algún tiempo para la llegada de noticias de lo que se hacia fuera, en el extranjero.  Nuestra falta de información era desoladora. 

 El tímido rebufo llegado del exterior había calado tan profundamente que ya era imposible pararlo.  Se imponía una renovación total.  El impacto de todo esto provocó la idea por parte del Ministerio de Asuntos Exteriores (con miras mayormente políticas que no artísticas, todo hay que decirlo) de organizar una serie de exposiciones itinerantes de Arte Contemporáneo Español por diversas galerías y museos de Europa y América que se convirtieron en avanzadillas culturales muy positivas.  El arte en este país dejó de ser un desconocido. 

El éxito que lograron nuestros trabajos en el extranjero creo que se debió en gran parte, paradójicamente, a nuestra propia desinformación que le insufló una autenticidad genuina libre de cualquier influencia exterior. 

Qué duda cabe que nuestras dificultades siempre fueron muchas e importantes pero contábamos a nuestro favor con un entusiasmo alejado de todo aspecto comercial y hedonista. Sentimientos que yo creo en decadencia o en vías de desaparición hoy día.

 

2. ¿Quiénes cree que son los responsables de que el arte español contemporáneo sea un desconocido en el extranjero?

Nadie pone en duda que el arte, como cualquier otra “mercancía”, precisa de la promoción para afianzar su presencia y su identidad. Esta responsabilidad debería recaer en las galerías cuya finalidad como intermediario sería bastante valiosa.  Sin embargo y por desgracia, la mayoría suelen asumir este papel con escasa o nula formación profesional y con el mismo talante del que instala un comercio de cualquier otra naturaleza.  Cualquier profesión intelectual – escritor, músico, etc. -- requiere muchos esfuerzos y aprendizaje mientras que convertirse en galerista solo implica el deseo de serlo si sus ocios y un saneado fondo económico se lo permiten.

Raramente ninguna de ella se tomó muy en serio la labor de promoción hacia el exterior, dedicando toda su atención al mercado nacional y surtir de obras a los escasos coleccionistas españoles que pronto consideraron realizada su colección y dejaron de comprar.  Cuando algunas de estas descubrieron que se había ignorado el mercado internacional ya era demasiado tarde y nosotros habíamos ya envejecido para ser material con interés para ser exportable. 

Esta es, creo yo, la única y mayor razón por la cual cualquiera de nosotros seamos poco conocidos o ignorados fuera de nuestras fronteras.  En este país hemos carecido de marchands con talento y visión de futuro…no como en Francia que poseyeron siempre un plantel de calidad: Vollard, Kahnweiler, Maeght, etc., que no solo invirtieron en las obras de sus artistas sino que se implicaron profundamente en la promoción de sus obras en casi todo el mundo.  Aquellos sí que contribuyeron a cubrir las necesidades para la supervivencia de éstos. ¿Y qué decir de las galeristas/promocionadores de Nueva York que han colocado a sus artistas en todos los museos y las mejores colecciones del mundo? 

Esto ha desaparecido casi por completo y suelen ser rarísimas las ofertas de compra por contrato con las galerías, ni las adquisiciones esporádicas por parte de éstas si no cuentan de antemano con la garantía de reventa inmediata. 

En nuestra época y salvando varias excepciones, para tratar de asegurarnos una base de despegue profesional tuvimos que conformarnos con dejar nuestras obras en depósito, y cuando algunas se vendían debíamos iniciar otra pequeña batalla para cobrar de la galería nuestra parte.  Actualmente y debido a la crisis económica, muchas de éstas están languideciendo y otras han desaparecido. 

 

3. ¿Qué piensa del arte que se está creando en estos momentos por los artistas más jóvenes?

Por prudencia y respeto no me voy a permitir ser demasiado severo en juzgar las obras que producen los jóvenes en la actualidad.  Posiblemente éstos, por ambición o ignorancia, se han convertido en víctimas de la decadencia cultural que nos afecta a todos desde hace bastante tiempo.

Por culpa de supuestos “entendidos”, críticos, comisarios, y promotores con poder de manipulación se ha desencadenado la mediocridad, el mal gusto y el empeño por “crear marca”, defensores a ultranza del famoso “TODO VALE” y se ha cosechado las consecuencias que todos conocemos: decadencia manifiesta e imparable.

 

4. ¿Hay que explicar la obra de arte abstracto?

El espectador no debe nunca esperar ninguna explicación racional o el supuesto significado de la obra de arte; deberá experimentarla a través de su propia sensibilidad. Si cree que capta el “mensaje”, que no existe por otra parte, se habrá logrado el objetivo primordial del fenómeno artístico.

 

5. ¿Cuándo sabe que una obra está terminada?

El artista sabe por una intuición especial cuando una obra suya está acabada y si el resultado de la misma obtiene su visto bueno para que ésta inicie su ignorada andadura o debe ser destruida. Sin embargo es incapaz de razonar en que se basa esta certeza.  Es el mismo misterio que implica el fenómeno de la creación. De ahí el que haya sido siempre refractario a aventurar ninguna teoría sobre este particular.

 

6. ¿Cree que las obras preferidas por el artista en una retrospectiva coinciden con las del  espectador que la visita?

Obviamente, y a medida que uno va madurando, existen determinadas preferencias entre unas y otras. Sin embargo, a veces uno se ve sorprendido cuando el espectador muestra sus preferencias por obras de primera época debido a que piensa que el trabajo de juventud nace con más pureza expresiva y esta menos contaminado por las experiencias del transcurrir de los años.  

 

7. ¿Si tuviera que elegir, qué parte de su obra salvaría de entre todas?

 Si el artista tuviese que elegir, por cualquier clase de emergencia que pusiera en peligro su obras, sería aquella que tuviera más al alcance de su mano.  La elección en frío sería un gran problema. Cada obra que ha merecido su supervivencia o bien cada una de las etapas de su trayectoria profesional tienen todas una vida propia y resultados diferentes, por lo cual sería muy difícil la elección.

 

8. ¿Cómo enfocaría su vida artística si tuvieras treinta años menos?

Cuando uno ha elegido un camino no suele hacerse por capricho, sino por vocación.  Ignoro pues cual sería mi planteamiento vital si tuviese treinta años menos.  A medida que uno va envejeciendo el círculo de apetencias y deseos se agranda, uno quisiera seguir descubriendo e investigando para tener más experiencias.  Pero, paradójicamente, el interés o la curiosidad, desde otro punto de vista, se impregna de sentimientos opuestos o más selectivos con los que hay que bregar.  Supongo que esto también supone otra sabiduría. 

Nunca he sentido deseos de ser otra persona ni hacer otra cosa de lo que he hecho hasta ahora.  Me atrajo mucho la idea de ser escritor pero al haber sido mi formación casi autodidacta no me lo ha permitido. 

 

9. ¿Dónde le gustaría exponer?

Cuento en mi haber más de ciento cincuenta exposiciones personales realizadas en diversos países, de América y Europa, incluyendo naturalmente,  España …donde la cultura tradicionalmente ha contado bien poco.  También he participado en infinidad de exposiciones colectivas, y he trabajado como un poseso toda mi vida. Todo esto justifica (y más en estos momentos en que la motivación ha desaparecido) mis escasos deseos de seguir exponiendo; me produce más hartura que placer. 

A cualquier pintor le habría gustado exponer su obra en museos y galerías importantes, pero son muy pocos lo que lo logran. Sería bastante largo intentar analizar las causas o las circunstancias de cada cual para que las cosas sean así.

 

10. ¿Cuál cree que es la mejor opción para dejar “seguro” el legado de la propia obra?

Al constatar que uno empieza a deslizarse por la cuesta abajo con la vejez a cuestas nos invaden infinidad de dudas en cuanto a lo que nos queda por hacer.  Aparece un sinfín de ideas entre las cuales (con la satisfacción de comprobar que las neuronas aún siguen en buen estado) figuran las incógnitas del qué hacer con lo que uno ha acumulado en vida y qué destino darle.  Por supuesto, decida lo que decida, y al margen de mi predisposición para dejar todo “atado y bien atado”, cualquier decisión seguramente acabará siendo la equivocada.  (¿Será mi obra tan importante como para tomar cualquier resolución al respecto?)

En cualquier caso, creo que lo mejor que puedo hacer es dejarlo todo en manos de mi mujer que sin duda sabrá hacer lo que crea más oportuno.

 

+UNA. Para finalizar, adjunte unas palabras a cada uno de los siguientes nombres o términos:

Mercado del arte

Se fue al garete a partir de los primeros síntomas de la crisis económica, y seguramente ya no volverá.

Coleccionista

Un ser imprescindible para potenciar el arte, pero que actualmente se halla en paradero desconocido. 

Antonio Lorenzo Carrión

Un gran amigo, y un artista como otros muchos, que formó parte de los llamados “malditos”.  

Pintura figurativa actual

Escasa y de poca calidad.  

Eusebio Sempere

Un excelente pintor y amigo, que estuvo a punto de alcanzar una estrella y que  sin saber las causas, su obra ha pasado al olvido.

MNCARS

Un mamotreto de edificio, ñoño y deprimente, que no ha conseguido borrar su fisionomía de hospital a pesar de sus presuntuosos ascensores acristalados.  Suele ser coto privado de la mayor parte de directores que han pasado por él. 

Juana Mordó

Dama refinada, de cultura centro-europeo, con  grandes dotes de comerciante, que llegó azarosamente al mundo del arte como Colón a América. Sigue conservando una gran reputación como galerista aunque sospecho que dejó este mundo sin entender demasiado de arte.   

Marchante de arte

Personaje de próxima extinción con dudosos o selectivos conocimientos artísticos y dotado de una manifiesta racanería.

Aix-en-Provence

Debido a mi apasionado afrancesamiento, la ciudad de Aix-en-Provence se convirtió, desde que estuve la primera vez en ella, en una frustrada Arcadia en que me hubiera gustado vivir.


entrevista 10 + una. francisco farreras. relieve madera. coleccion ars citerior

Sin título. 2011

Imágenes cortesía del artista

 

Entrevista realizada a Francisco Farreras por Javier Martín en septiembre de 2013.

 

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http://javierbmartin.com/index.php/mirar-un-cuadro/613-mirar-un-cuadro-de-francisco-farreras-coudrage-n-101-a

www.farnciscofarreras.com

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